Marc Chagall

Stil und Technik

Chagalls Bildwelt folgt eigenen physikalischen Gesetzen. Menschen schweben über Dächern. Ein grüner Geiger spielt auf einem Hausdach. Ein Ziegenbock sitzt im Wohnzimmer. Ein Liebespaar steigt über eine kleine russische Stadt empor. Das sind keine surrealistischen Verstöße gegen die Wirklichkeit, sondern Bilder emotionaler Wahrheit: Liebe fühlt sich an wie Schweben; die Erinnerung hat die Verdichtung eines Traums; das Heilige durchdringt das Alltägliche, ohne sich anzukündigen.

Er nahm alles in sich auf, was Paris zu bieten hatte — die kubistische Zerlegung der Form, die fauvistische Farbe, die formalen Lehren Cézannes — verwendete aber nichts davon so, wie es gemeint war. Der Kubismus war für ihn kein Werkzeug zur Analyse der Form, sondern eine Möglichkeit, mehrere Erinnerungen und Zeiten in einem einzigen Bild zu verdichten. Die Schichten seiner Gemälde zeigen oft gleichzeitig Witebsk, seine Kindheit, seine erste Frau Bella, seine jüdische Gemeinschaft und Paris — so, wie ein Traum sie zeigt.

Seine Farbe ist warm, jubilierend und zutiefst persönlich. Er besaß seine eigenen Blautöne — jenes spezifische tiefe Blau eines Nachthimmels über einer kleinen jüdischen Stadt in Weißrussland — und seine eigenen Rot- und Grüntöne, die bestimmte emotionale Ladungen tragen, die sein Werk den Betrachter zu erkennen lehrte. Die Farben sind nicht in fester Weise symbolisch; sie sind Stimmungen.

Vier Erkennungsmerkmale: die schwebende, schwerelose Figur, die Verdichtung mehrerer Zeiten und Orte in einer einzigen Szene, die warme, tief gesättigte Palette mit jenem spezifischen Chagall-Blau und das wiederkehrende Personal aus Liebenden, Musikern, Tieren und religiösen Gegenständen, das sein Werk über fast achtzig Schaffensjahre hinweg sofort erkennbar macht.

Leben und Vermächtnis

Chagall wurde am 7. Juli 1887 als Moische Schagal in Witebsk im heutigen Weißrussland geboren, als ältestes von neun Kindern einer armen chassidisch-jüdischen Familie. Sein Vater schleppte Heringsfässer für einen Fischhändler; seine Mutter führte einen kleinen Kolonialwarenladen. Das Schtetl — die kleine jüdische Stadt mit ihrer besonderen Mischung aus Armut, religiösem Leben und lebendiger Gemeinschaft — war die Welt seiner Kindheit und die unerschöpfliche bildliche Quelle seines gesamten Schaffens.

Er studierte Kunst in Witebsk und dann in Sankt Petersburg, wo Juden besondere Aufenthaltsgenehmigungen brauchten, um zu leben. 1910 gelangte er durch ein Stipendium eines Mäzens nach Paris und traf dort auf Kubismus, Fauvismus und die Pariser Avantgarde in ihrer energischsten Phase. Er bezog ein Atelier in der Ruche, einem kreisrunden Künstlerhaus in Montparnasse, in dem Léger, Archipenko, Modigliani und Dutzende anderer arbeiteten.

'Ich und das Dorf' (1911) war sein Pariser Durchbruch: das kubistische Vokabular aufgenommen und in etwas unverkennbar Persönliches verwandelt — zwei Profilköpfe (ein Mann und eine Kuh) blicken einander quer über die Leinwand an, im Hintergrund winzige umgekehrte Figuren, in der Wange der Kuh eine melkende Frau zu sehen. Das Bild ist zugleich logisch und vollkommen unerwartet.

1914 kehrte er nach Russland zurück, um Bella Rosenfeld, seine Jugendliebe, zu heiraten, und blieb durch den Ausbruch des Krieges dort gestrandet. Er erlebte die Revolution, wurde zum Volkskommissar für Kunst in Witebsk ernannt und gründete dort eine Kunstschule — wurde jedoch von der Direktion abgesetzt, als Malewitsch eintraf und alle seine Schüler zum Suprematismus bekehrte. Er zog nach Moskau, wo er Wandbilder für das Staatliche Jüdische Theater malte.

1923 kehrte er nach Paris zurück und begann die lange mittlere Periode seiner Laufbahn: weitere Entwicklung seiner Witebsker Bildwelt, großformatige Werke, Aufträge für illustrierte Bücher, anhaltende Anerkennung.

Bella starb 1944 an einer Virusinfektion, während sie im Kriegsexil in New York lebten. Der Verlust erschütterte ihn; neun Monate lang malte er nicht. Schließlich lernte er Valentina Brodsky kennen, die er 1952 heiratete, doch die Gegenwart Bellas — als schwebende Gestalt, als Braut, als Erinnerung — verließ sein Werk nie.

Zu seinen großen öffentlichen Aufträgen gehören die Glasfenster der Kathedrale von Reims, die Decke der Pariser Oper (1964), die Fenster für das Gebäude der Vereinten Nationen in New York und ein Zyklus von zwölf Glasfenstern, die die zwölf Stämme Israels darstellen, im Hadassah Medical Centre in Jerusalem.

Fünf berühmte Gemälde

Ich und das Dorf 1911

Chagalls vollständigste frühe Aussage: eine große Leinwand — 192 mal 151 Zentimeter —, die das visuelle Vokabular seiner Witebsker Kindheit in eine kubistische Bildstruktur einfügt. Ein grünhäutiger Mann und eine weiße Kuh blicken einander diagonal an; in der Wange der Kuh ist eine kleine Melkszene zu sehen. Auf den Kopf gestellte Häuser, eine Frau in der Luft, ein Mann mit einer Sense bilden den Hintergrund. Die Stadt ist überall und nirgends zugleich, so wie sie in der Erinnerung lebt. Das Bild entstand 1911 in Paris, ein Jahr nach seiner Ankunft, das erste Mal, dass er weit genug von zu Hause entfernt war, um es in Mythos zu verwandeln. Es befindet sich im Museum of Modern Art in New York.

Paris durch das Fenster 1913

Eine halb menschliche, halb katzenhafte Gestalt sitzt in einem Fensterrahmen, dahinter und darunter der Eiffelturm. Der Himmel über Paris ist umgekehrt — die sonnenhelle Seite unterhalb, das Dunkle oberhalb der Horizontlinie. Ein Liebespaar schwebt kopfüber im unteren Himmel. Ein Fallschirmspringer geht nieder. Ein Zug fährt auf dem Fensterbrett. Chagall malte Paris mit derselben Traumverdichtung, die er später auf Witebsk anwenden sollte: zwei Welten in einem Fenster, Russland und Frankreich, Erinnerung und Gegenwart, die visuelle Logik des Gefühls statt der Optik. Das Bild befindet sich im Solomon R. Guggenheim Museum in New York.

Der grüne Geiger 1923

Ein grünhäutiger Geiger steht auf einem Dach über einem kleinen russischen Dorf, der Bogen erhoben, in den Himmel hinaufspielend. Unter ihm gehen kleine Gestalten ihrem Tag nach; über ihm geht eine weitere Figur über ein Dach. Der Geiger ist zugleich die zentrale Figur von Chagalls Bildmythologie — der Musiker als Gestalt heiliger Übermittlung, als Träger der Volkserinnerung — und ein direkter Bezug zu seiner eigenen Kindheit in Witebsk, wo der Fiedler bei jedem Fest und auf jedem Platz spielte. Das spezifische Grün des Gesichts gehört zu Chagalls bewusstesten Farbentscheidungen. Das Bild befindet sich im Solomon R. Guggenheim Museum.

Weiße Kreuzigung 1938

Im Jahr der Reichspogromnacht gemalt, ist dies Chagalls direkt politischstes Hauptwerk. Christus am Kreuz trägt einen jüdischen Gebetsschal als Lendentuch; um ihn herum Szenen der Zerstörung jüdischen Lebens in Europa — eine brennende Synagoge, fliehende Flüchtlinge, ein brennendes Dorf, eine umgestürzte Tora. Eine Menora brennt zu Füßen des Kreuzes. Die fliehenden Gestalten an den Rändern stammen aus verschiedenen Zeiten — einige antik, einige zeitgenössisch. Christus als jüdischer Märtyrer; die Kreuzigung als Bild fortdauernden jüdischen Leidens. Das Werk wurde 1938 gezeigt und löste Diskussionen darüber aus, ob es schicklich sei, Christus als Juden darzustellen. Es befindet sich im Art Institute of Chicago.

Über der Stadt 1918

Chagall und Bella schweben über Witebsk, die Hände einander kaum berührend, die Körper waagrecht in der Luft über den Dächern und Straßen der Stadt. Das Bild entstand in der Zeit revolutionärer Umwälzungen in Russland, doch sein Gegenstand ist ganz persönlich: das Empfinden der Liebe als Schwerelosigkeit, die Art, wie das Zusammensein mit einem geliebten Menschen den Dingen die gewöhnliche Schwerkraft nimmt. Die Stadt unten ist genau wiedergegeben — die Holzhäuser, die Straßen, eine Ziege in einem Hof — und die Liebenden darüber sind ebenso präzise. Liebe und ein bestimmter Ort, gleichzeitig festgehalten, der eine den anderen erst möglich machend. Das Bild befindet sich in der Tretjakow-Galerie in Moskau.