Georgia O'Keeffe

Estilo y técnica

Los cuadros más famosos de O'Keeffe son las grandes flores — lienzos de sesenta o noventa centímetros en los que una sola flor llena toda la superficie; los pétalos, sépalos y estambres se expanden hasta los bordes y más allá, excluyendo cualquier otra cosa. El efecto de este primer plano extremo es convertir lo familiar en desconocido: conoces la flor, pero nunca la has visto así — tan de cerca, tan grande, tan abstracta en los bordes, tan precisa en el centro.

Su método no consistía en distorsionar ni estilizar, sino en seleccionar y ampliar: tomaba algo que había observado detenidamente y lo reproducía a una escala que hacía obligatorio mirarlo de cerca. El resultado ocupa un espacio interesante entre la representación y la abstracción — las imágenes son claramente flores, claramente calaveras, claramente colinas, pero también están suficientemente cerca de la forma pura como para funcionar como composiciones abstractas.

Las obras de Nuevo México — realizadas tras instalarse en Abiquiú en 1949 — pertenecen a un registro completamente distinto: paisajes áridos de colinas rojas y ocres, cielos desérticos, calaveras y huesos de pelvis blanqueados que recogía del suelo del desierto. Son más austeras que los cuadros de flores, más atentas a la calidad específica de la luz en un desierto de gran altitud, más interesadas en lo geológico que en lo biológico.

Cuatro huellas: el primer plano extremo que transforma sujetos familiares mediante la ampliación, la superficie pictórica lisa e ininterrumpida sin pinceladas visibles — un acabado tenso y sin modulaciones que confiere a las formas una cualidad de presencia sin textura, lo orgánico y lo geológico como materia prima, y un Oeste americano que es a la vez paisaje literal y territorio emocional — las obras de Nuevo México hablan de un lugar concreto y de un estado de ánimo al mismo tiempo.

Vida y legado

O'Keeffe nació el 15 de noviembre de 1887 en Sun Prairie, Wisconsin, y a los doce años ya sabía que quería ser artista. Estudió en el Art Institute of Chicago y después en la Art Students League de Nueva York, donde recibió una formación académica convencional en pintura al óleo antes de rechazarla por considerarla insuficientemente personal.

En 1912 comenzó a enseñar arte en Amarillo, Texas, y se encontró por primera vez con el paisaje del Suroeste americano. El cielo, la llanura, la calidad particular de la luz en aquella parte del mundo — tan diferente de Wisconsin y Nueva York — la impresionaron con la fuerza de una revelación. Texas alimentaría su imaginación durante décadas, incluso después de haberse marchado.

El giro decisivo llegó en 1915–1916, cuando destruyó sus pinturas existentes y comenzó a trabajar con carboncillo sobre papel, creando formas puramente abstractas sin ninguna referencia a la realidad observada. Envió los dibujos a su amiga Anita Pollitzer en Nueva York, quien se los mostró al fotógrafo y marchante Alfred Stieglitz. Stieglitz los expuso en su galería sin pedirle permiso, le escribió para comunicárselo e inició la correspondencia que acabaría llevando a su matrimonio.

Los años neoyorquinos, desde 1918 hasta finales de los años veinte, fueron los años de los cuadros de flores y los edificios de Manhattan — los primeros planos íntimos de gran formato que la hicieron famosa. También era, como compañera de Stieglitz y cada vez más su musa, el centro del mundo del arte modernista estadounidense. Stieglitz la fotografió obsesivamente — cientos de imágenes — de un modo que moldeó y complicó su identidad pública.

En 1929 realizó su primer viaje de verano a Nuevo México, y el paisaje de Taos y el desierto circundante transformó su obra de forma tan decisiva como Texas lo había hecho en 1912. Volvió cada verano durante los veinte años siguientes, hasta que en 1949, tres años después de la muerte de Stieglitz, se trasladó definitivamente a Abiquiú.

Murió el 6 de marzo de 1986 en Santa Fe, a los noventa y ocho años, habiendo trabajado casi hasta el final de una vida muy larga.

Cinco cuadros famosos

Iris blanco con iris negro 1926

Un gran lienzo en el que dos iris — uno blanco, uno morado-negro — llenan la composición de borde a borde, con los pétalos superponiéndose y rizándose. Los pétalos blancos capturan la luz en gradaciones de blanco cálido puro; el iris oscuro que hay detrás de ellos es casi completamente tonal, su morado-negro profundo resuelto en una serie de formas hinchadas. El contraste entre las dos flores — luz y oscuridad, abierta y cerrada, activa y en retirada — confiere al cuadro una estructura casi musical de pregunta y respuesta. Es una de las obras más formalmente completas de la serie floral y se encuentra en la colección de la Biblioteca Pública de Nueva York.

Estramonio / Flor blanca n.º 1 1932

El cuadro más grande que jamás pintó — casi dos metros por lado — que muestra una sola flor de estramonio en primer plano, con sus pétalos blancos en forma de trompeta llenando el lienzo. La flor es originaria del Suroeste americano y se asocia con el calor del desierto, las tierras fronterizas y, en la cultura indígena, los estados visionarios. O'Keeffe la cultivaba en su jardín de Nuevo México. La escala es enorme; los pétalos y el estambre están representados con una pintura lisa y precisa que les otorga una calidad casi escultórica. El cuadro se vendió por 44,4 millones de dólares en 2014, el precio más alto pagado hasta entonces por una pintura de una artista mujer. Se encuentra en el Crystal Bridges Museum of American Art.

Cabeza de carnero con malvarrosa blanca 1935

Un cráneo de carnero — blanqueado, con los cuernos intactos — está situado contra el cielo de Nuevo México sobre la lejana mesa del Pedernal, con una flor de malvarrosa blanca a su lado. La combinación de lo orgánico y lo geológico, de la flor viva y el hueso muerto, del cielo y la tierra, es característica de su período en Nuevo México. El cráneo no resulta macabro en su uso; es hermoso — una forma encontrada tan perfecta como cualquiera que ella pudiera haber diseñado. La relación entre hueso y flor aparece a lo largo de toda su obra de este período, y este es uno de los ejemplos más elegantemente equilibrados.

Cielo sobre las nubes IV 1965

El lienzo más grande que jamás pintó — casi ocho metros de ancho — que muestra la vista desde la ventanilla de un avión de las nubes extendiéndose hasta el horizonte; los pequeños óvalos blancos de las cimas de las nubes retroceden en perspectiva hacia un cielo azul que se oscurece hacia el borde superior del lienzo. La imagen es simultáneamente muy real — realizó estos cuadros tras observar exactamente esta vista durante vuelos transatlánticos — y casi cósmicamente abstracta. La escala del cuadro y la escala del tema encajan a la perfección. Se encuentra en el Art Institute of Chicago.

Iris negro 1926

Un único iris morado-negro, con los pétalos llenando el lienzo, las partes más internas de la flor disolviéndose en sombra profunda. El cuadro se pintó el mismo año que otras obras sobre iris, pero es el más dramático: la casi ausencia de luz en los pasajes centrales, las curvas pesadas de los pétalos exteriores, la forma en que la flor parece encerrarse en la oscuridad. Stieglitz lo expuso en 1927 y los críticos lo interpretaron en clave sexual — una interpretación que O'Keeffe rechazó durante toda su vida, insistiendo en que el cuadro trataba de una flor. Se encuentra en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York.