Georgia O'Keeffe

Style et technique

Les tableaux les plus célèbres d'O'Keeffe sont les grandes fleurs — des toiles de soixante à quatre-vingt-dix centimètres dans lesquelles une seule fleur occupe toute la surface, les pétales, les sépales et les étamines débordant jusqu'aux bords et au-delà, tout le reste exclu. L'effet de ce gros plan extrême est de transformer le familier en quelque chose d'inconnu : on connaît la fleur, mais on ne l'a jamais vue ainsi — si près, si grande, si abstraite aux bords, si précise au centre.

Sa méthode ne consistait pas à déformer ou à styliser, mais à sélectionner et à amplifier : elle prenait une chose qu'elle avait observée de près et la restituait à une échelle qui rendait le regard attentif obligatoire. Le résultat occupe un espace intéressant entre la représentation et l'abstraction — les images sont clairement des fleurs, clairement des crânes, clairement des collines, mais elles sont aussi suffisamment proches de la forme pure pour fonctionner comme des compositions abstraites.

Les œuvres du Nouveau-Mexique — réalisées après qu'elle s'installa à Abiquiú en 1949 — relèvent d'un registre entièrement différent : paysages arides de collines rouges et ocre, ciels de désert, crânes blanchis et os du bassin ramassés sur le sol désertique. Elles sont plus austères que les peintures de fleurs, plus attentives à la qualité spécifique de la lumière dans un désert de haute altitude, plus intéressées par le géologique que par le biologique.

Quatre traits distinctifs : le gros plan extrême qui transforme des sujets familiers par agrandissement, la surface picturale lisse et continue sans touche de pinceau visible — un rendu tendu et non modulé qui confère aux formes une qualité de présence sans texture, l'organique et le géologique comme matière principale, et un Ouest américain qui est à la fois paysage littéral et territoire émotionnel — les œuvres du Nouveau-Mexique parlent d'un lieu précis et d'un état d'esprit simultanément.

Vie et héritage

O'Keeffe naquit le 15 novembre 1887 à Sun Prairie, dans le Wisconsin, et sut dès l'âge de douze ans qu'elle voulait être artiste. Elle étudia à l'Art Institute of Chicago puis à l'Art Students League de New York, où elle reçut une formation académique conventionnelle en peinture à l'huile avant de la rejeter comme insuffisamment personnelle.

En 1912, elle commença à enseigner l'art à Amarillo, au Texas, et découvrit pour la première fois le paysage du Sud-Ouest américain. Le ciel, la planitude, la qualité particulière de la lumière dans cette partie du monde — si différente du Wisconsin et de New York — la frappèrent avec la force d'une révélation. Le Texas allait nourrir son imagination pendant des décennies, même après qu'elle se fut installée ailleurs.

Le tournant décisif survint en 1915–1916, quand elle détruisit ses peintures existantes et se mit à travailler au fusain sur papier, élaborant des formes purement abstraites sans aucune référence à la réalité observée. Elle envoya ces dessins à son amie Anita Pollitzer à New York, qui les montra au photographe et marchand Alfred Stieglitz. Stieglitz les exposa dans sa galerie sans lui demander la permission, lui écrivit pour l'en informer, et entama la correspondance qui mènerait finalement à leur mariage.

Ses années new-yorkaises, de 1918 à la fin des années 1920, furent les années des peintures de fleurs et des immeubles de Manhattan — les gros plans intimes en grand format qui la rendirent célèbre. Elle était aussi, en tant que compagne de Stieglitz et de plus en plus sa muse, au centre du monde de l'art moderniste américain. Stieglitz la photographia de manière obsessionnelle — des centaines de clichés — d'une façon qui façonna et compliqua son identité publique.

En 1929, elle fit son premier voyage d'été au Nouveau-Mexique, et le paysage de Taos et du désert environnant transforma son œuvre aussi décisivement que le Texas l'avait fait en 1912. Elle y retourna chaque été pendant vingt ans, jusqu'à ce qu'en 1949, trois ans après la mort de Stieglitz, elle s'installe définitivement à Abiquiú.

Elle mourut le 6 mars 1986 à Santa Fe, à quatre-vingt-dix-huit ans, ayant travaillé presque jusqu'à la fin d'une vie très longue.

Cinq tableaux célèbres

Iris blanc avec iris noir 1926

Une grande toile dans laquelle deux iris — l'un blanc, l'autre violet-noir — remplissent la composition de bord en bord, leurs pétales se superposant et s'enroulant. Les pétales blancs captent la lumière en dégradés de blanc chaud pur ; l'iris sombre qui se profile derrière eux est presque entièrement tonal, son violet-noir profond résolu en une série de formes gonflantes. Le contraste entre les deux fleurs — lumière et obscurité, ouverture et fermeture, mouvement vers l'avant et recul — confère au tableau une structure presque musicale de question et de réponse. C'est l'une des œuvres de la série florale les plus formellement accomplies ; elle appartient aux collections de la New York Public Library.

Datura / Fleur blanche n° 1 1932

Le plus grand tableau qu'elle ait jamais réalisé — près de deux mètres de côté — représentant une seule fleur de datura en gros plan, ses pétales blancs en forme de trompette remplissant la toile. La plante est originaire du Sud-Ouest américain et se trouve associée à la chaleur du désert, aux zones frontalières et, dans les cultures indigènes, aux états visionnaires. O'Keeffe la cultivait dans son jardin au Nouveau-Mexique. L'échelle est immense ; les pétales et les étamines sont rendus avec une peinture lisse et précise qui leur confère une qualité presque sculpturale. Le tableau fut vendu 44,4 millions de dollars en 2014, le prix le plus élevé jamais atteint à cette date pour une œuvre d'une artiste femme. Il se trouve au Crystal Bridges Museum of American Art.

Tête de bélier avec rose trémière blanche 1935

Un crâne de bélier — blanchi, cornes intactes — est positionné contre le ciel du Nouveau-Mexique au-dessus de la lointaine mesa du Pedernal, une fleur de rose trémière blanche placée à son côté. La combinaison de l'organique et du géologique, de la fleur vivante et de l'os mort, du ciel et de la terre, est caractéristique de sa période au Nouveau-Mexique. Le crâne, dans son usage qu'elle en fait, n'est pas macabre ; il est beau — une forme trouvée aussi parfaite que n'importe quelle autre qu'elle aurait pu concevoir. La relation entre l'os et la fleur parcourt toute son œuvre de cette période, et cet exemple est l'un des plus élégamment équilibrés.

Ciel au-dessus des nuages IV 1965

La toile la plus grande qu'elle ait jamais peinte — près de huit mètres de large — représentant la vue depuis le hublot d'un avion de nuages s'étendant jusqu'à l'horizon, les petits ovales blancs des sommets nuageux se retirant en perspective vers un ciel bleu qui s'assombrit vers le bord supérieur de la toile. L'image est simultanément profondément réelle — elle réalisa ces tableaux après avoir observé exactement cette vue lors de vols transatlantiques — et quasi cosmiquement abstraite. L'échelle du tableau et l'échelle du sujet se correspondent parfaitement. Il se trouve à l'Art Institute of Chicago.

Iris noir 1926

Un unique iris violet-noir, ses pétales remplissant la toile, les parties les plus intérieures de la fleur se dissolvant dans l'ombre profonde. Le tableau fut peint la même année que plusieurs autres œuvres consacrées aux iris, mais c'est le plus dramatique : la quasi-absence de lumière dans les passages centraux, les lourdes courbes des pétales extérieurs, la façon dont la fleur semble s'enclore dans l'obscurité. Stieglitz l'exposa en 1927 et les critiques l'interprétèrent en termes sexuels — une interprétation qu'O'Keeffe réfuta tout au long de sa vie, affirmant que le tableau parlait d'une fleur. Il se trouve au Metropolitan Museum of Art de New York.