Eugène Delacroix

Stile e tecnica

Delacroix credeva che il colore fosse una forza, non una decorazione. In un'epoca in cui la pittura accademica francese subordinava il colore interamente al disegno, egli sosteneva — nella pratica, nel suo diario e nei lunghi dibattiti con i critici — che l'interazione dei colori in un dipinto creasse un proprio tipo di significato, indipendente dal soggetto o dalla forma. Un cremisi accanto a un blu freddo fa qualcosa all'occhio che nessuna composizione formale riesce a ottenere. Trascorse trent'anni a lavorare sulle conseguenze di questo principio.

Il suo diario è uno dei più grandi documenti nella storia della pittura — un resoconto quotidiano di osservazioni, teorie, lamentele e intuizioni che tenne dal 1822 fino all'anno della sua morte. In esso scrisse dell'effetto della luce sulle ombre, del modo in cui i colori complementari si intensificano a vicenda, di ciò che Rubens faceva con la carne delle sue figure e che nessuno dopo di lui era riuscito a replicare. Studiò il colore come uno scienziato studia la luce.

Questa non era semplice tecnica, ma filosofia. La pennellata visibile significava che il dipinto era vivo, che era stato realizzato da una mano umana in tempo reale, che l'atto di dipingere era tanto reale quanto la cosa raffigurata. Gli impressionisti — Monet, Renoir, Pissarro — lo compresero immediatamente e riconobbero Delacroix come il loro antenato.

I suoi soggetti erano scelti per la massima intensità emotiva: massacri, battaglie, cacce agli animali, città in fiamme, scene tratte da Dante, Byron, Shakespeare e dal mondo arabo che osservò direttamente in Marocco nel 1832. Andò in Nord Africa in missione diplomatica e riempì sette taccuini di disegni e acquerelli di mercati, harem, cavalli e lottatori — materiale che alimentò il suo lavoro per il resto della carriera.

Quattro impronte digitali identificano la sua opera: composizioni diagonali che suggeriscono il movimento, intrecci complessi di più figure che si leggono come un'unica massa, colori ricchi e profondi con inaspettate giustapposizioni cromatiche, e animali usati come simboli di energia selvaggia — le sue cacce e le sue battaglie coinvolgono quasi sempre cavalli o leoni al culmine della loro violenza.

Vita ed eredità

Delacroix nacque il 26 aprile 1798 a Charenton-Saint-Maurice, vicino a Parigi. Il suo padre legale era Charles-François Delacroix, prefetto e diplomatico; il suo probabile padre biologico — secondo voci persistenti supportate da prove circostanziali — era lo statista Charles de Talleyrand, che rimase una presenza distante ma attenta durante la sua prima carriera. La questione non è mai stata definitivamente risolta.

Entrò nello studio di Pierre-Narcisse Guérin nel 1815 e vi incontrò sia Géricault, di quattro anni più anziano, sia le opere di Rubens e Veronese che avrebbero plasmato tutta la sua estetica. Vide in fase di lavorazione *La zattera della Medusa* di Géricault nel 1818 e capì immediatamente come fosse la grande scala emotiva in pittura.

La sua prima partecipazione al Salon, *La barca di Dante* (1822), fu acquistata dallo Stato francese e lanciò la sua reputazione. *Il massacro di Scio* apparve al Salon del 1824, lo stesso anno del *Voto di Luigi XIII* di Ingres, e il contrasto fu deliberato e consapevole: due idee incompatibili di pittura, offerte simultaneamente al giudizio del pubblico. La rivalità era lanciata.

*La Libertà che guida il popolo* apparve al Salon del 1831, dipinta sulla scia della Rivoluzione di luglio del 1830. Delacroix non era lui stesso un rivoluzionario — era borghese, conservatore e in qualche modo allarmato dagli eventi che stava raffigurando — ma ne era commosso, e il dipinto è la più grande immagine politica singola nella storia dell'arte francese. La Libertà, una donna a seno nudo con un berretto frigio, avanza sulle barricate tenendo in alto il tricolore e un moschetto. I morti di entrambe le parti giacciono ai suoi piedi. Parigi brucia sullo sfondo.

Nel 1832 andò in Marocco con una missione diplomatica francese, e il viaggio lo trasformò. Trovò in Nord Africa un'antichità vivente — le persone, i cavalli, i costumi e l'architettura assomigliavano alla sua idea dell'antica Grecia più di qualsiasi cosa nella Francia moderna. I suoi taccuini marocchini, ora al Louvre, sono alcuni dei più bei disegni del XIX secolo.

Non si sposò mai, tenne privata la sua vita personale e mantenne una lunga frequentazione con il soprano Marie-Élisabeth Boulanger e poi con la sua governante Joséphine. Morì il 13 agosto 1863 a Parigi, all'età di sessantacinque anni, per una malattia polmonare. Il contenuto del suo studio fu venduto all'asta e rapidamente disperso; il Diario, pubblicato per la prima volta nel 1893, stabilì la sua reputazione postuma come uno dei grandi intelletti artistici del secolo.

Cinque dipinti famosi

La Libertà che guida il popolo 1830

Il dipinto politico più famoso della Francia, esposto al Salon del 1831 e acquistato immediatamente dallo Stato. Delacroix rappresenta la Rivoluzione di luglio come una processione allegorica: la Libertà, una donna reale anziché una dea classica, avanza sui corpi dei caduti con il tricolore alzato in una mano e un moschetto nell'altra. I suoi compagni sono un gentiluomo borghese con il cappello a cilindro (forse un autoritratto), un ragazzo di strada con le pistole, un operaio ferito. Lo sfondo blu-grigio fumoso, la composizione diagonale e la straordinaria resa del tricolore contro il fumo sono calcolati con precisione per produrre un'emozione travolgente. È appeso al Louvre.

La barca di Dante 1822

Il debutto di Delacroix al Salon, dipinto a ventitré anni. Dall'*Inferno* di Dante: Dante e Virgilio attraversano il fiume Stige su una piccola barca guidata dalla figura di Flegiante, mentre i dannati si aggrappano allo scafo dall'acqua. L'influenza de *La zattera della Medusa* di Géricault (completata tre anni prima) è visibile nella scala delle figure e nel tono cupo dell'atmosfera, ma il colore di Delacroix è già suo — più ricco, più caldo, più turbolento. Géricault, che vide il dipinto al Salon, lo lodò pubblicamente. Lo Stato francese lo acquistò. È appeso al Louvre.

Il massacro di Scio 1824

La Guerra d'indipendenza greca, che suscitò una forte simpatia romantica in tutta Europa, fornì il soggetto: un gruppo di civili greci — feriti, morenti, morti e disperati — è mostrato in primo piano mentre soldati turchi e villaggi in fiamme occupano il centro e lo sfondo lontano. Fu descritto dai critici contemporanei come «un massacro di pittura» oltre che di persone, una critica alla pennellata sciolta di Delacroix e al suo rifiuto di idealizzare la sofferenza. Quando vide *Il carro di fieno* di Constable allo stesso Salon, si dice che ridipinse ampie sezioni del suo sfondo per aggiungere ricchezza cromatica. È appeso al Louvre.

Donne di Algeri nel loro appartamento 1834

Il frutto diretto del suo viaggio in Marocco del 1832 — sebbene la scena sia specificamente ad Algeri, dove un funzionario del porto gli concesse accesso all'interno di un harem per alcune ore. Il dipinto che ne risultò è il più tecnicamente complesso della sua carriera: quattro donne in un interno debolmente illuminato, i loro abiti di seta resi in tonalità di cremisi, verde, oro pallido e bianco, l'aria densa di incenso e indolenza. La relazione cromatica — in particolare il modo in cui i toni caldi della carne e dei tessuti interagiscono con i blu e i verdi più freddi — è ciò che Cézanne e Renoir identificarono in seguito come la lezione chiave di Delacroix. È appeso al Louvre.

Giacobbe lotta con l'angelo 1861

Un affresco nella Cappella degli Angeli Santi della chiesa di Saint-Sulpice a Parigi, completato tra il 1855 e il 1861 — una delle ultime grandi commissioni decorative della sua carriera. Giacobbe e l'Angelo si avvinghiano in una radura boschiva, i loro corpi intrecciati in una lotta che è simultaneamente fisica e metafisica. La foresta intorno a loro è di un verde brillante e specifico che era radicale per la decorazione di una chiesa. L'angelo è sereno; Giacobbe è esausto. Delacroix descrisse nella lotta, nei suoi appunti, l'immagine di ogni aspirazione umana contro il divino. Lavorò agli affreschi della cappella per sei anni, interrotti ripetutamente dalla malattia, e li completò due anni prima della sua morte.