Gustave Doré

Estilo y técnica

Gustave Doré es uno de los artistas más reproducidos de la historia, y sin embargo casi nada de esa fama procede de la pintura. Fue el ilustrador de libros más prolífico del siglo XIX, y produjo miles de grabados en madera para el Infierno de Dante, la Biblia, el Quijote de Cervantes y La balada del viejo marinero de Coleridge: mundos nítidos en blanco y negro poblados de multitudes, monstruos y cielos del tamaño de catedrales que moldearon la manera en que generaciones enteras imaginaron el infierno, el cielo e incluso el Londres victoriano. Esta página deja a un lado esos famosos grabados. Se centra en la faceta más rara y menos conocida de Doré: el pintor al óleo que luchó toda su vida adulta por hacerse reconocer como tal.

Su estilo pictórico toma prestados los instintos teatrales de los grabados —multitudes inmensas, diagonales vertiginosas, un gusto por lo sublime y lo terrible— pero los traduce en una pincelada espesa y pictórica y una paleta oscura y ardiente, más cercana a Eugène Delacroix que a cualquier grabador. Mientras los grabados trabajan con la línea pura y el contraste, los óleos construyen atmósfera a partir de veladuras superpuestas y sombras turbias, persiguiendo la pintura de historia romántica antes que la nitidez de una página impresa.

Tres temas dominan sus lienzos. Epopeyas religiosas —Cristo condenado, entrando en Jerusalén— pintadas a una escala abrumadora, densas de multitudes anónimas alrededor de una sola figura iluminada. Drama mitológico y literario, como una Andrómeda encadenada que aguarda a su monstruo, o los amantes condenados de Dante arrastrados por el torbellino del infierno, temas que a menudo ya había hecho famosos en forma de grabado y que ahora retomaba en color. Y, tras sus viajes por Escocia, paisajes sombríos y velados de niebla de lagos y cumbres de las Tierras Altas, pintados según la gran tradición de lo sublime más que como ilustración.

París nunca le concedió del todo ese deseo; la crítica seguía tratando sus óleos como el pasatiempo caro de un ilustrador. Así que Doré se construyó su propio escenario: una galería en Londres, inaugurada en 1868, donde colgó del suelo al techo sus lienzos religiosos más grandes, para que el público de pago —si no la crítica— pudiera juzgar por sí mismo.

Vida y legado

Paul Gustave Doré nació en Estrasburgo el 6 de enero de 1832, hijo de un ingeniero civil, y dibujaba obsesivamente casi antes de saber escribir. A los once años ya había producido su propio libro ilustrado; a los quince, recién llegado a París, se presentó en las oficinas del editor Charles Philipon y, a fuerza de labia, consiguió un contrato para el periódico satírico Le Journal pour rire. Poco después su familia se mudó a París para que el adolescente pudiera seguir trabajando. Nunca asistió a una escuela de arte formal.

Lo que siguió fue una de las carreras más productivas de la historia editorial. Doré ilustró a Rabelais, a Balzac y el Quijote de Cervantes; su edición de 1861 del Infierno de Dante lo hizo famoso de la noche a la mañana en todo el mundo, y sus cavernosos infiernos plagados de monstruos se convirtieron en la imagen definitiva de Dante durante más de un siglo. Le siguieron una Biblia ilustrada, el Paraíso perdido de Milton, La balada del viejo marinero de Coleridge y, en 1872, Londres: una peregrinación, un retrato de los barrios pobres de la ciudad realizado junto al periodista Blanchard Jerrold. Dibujaba directamente sobre los tacos de madera para que equipos de grabadores los tallaran, y amasó una fortuna casi sin precedentes para un ilustrador.

La crítica francesa no se lo concedió. Para el mundillo del Salón de París, siguió siendo "el grabador" disfrazado de pintor de historia, y sus enormes lienzos religiosos y mitológicos, cuando se reseñaban, recibían un trato condescendiente. Doré respondió construyéndose su propio público. En 1867 ayudó a fundar una galería en Bond Street, Londres, un espacio de exposición permanente donde sus óleos más grandes colgaban del suelo al techo ante un público de pago que, a diferencia del jurado del Salón, acudía en masa.

Su cuadro más ambicioso, con diferencia, fue Cristo saliendo del pretorio, un lienzo monumental en el que trabajó durante años, apiñando un elenco enorme de soldados, sacerdotes, burlones y dolientes alrededor de una sola figura serena: la de Cristo condenado. Presentado en 1872, atrajo multitudes inmensas tanto en París como en Londres, aunque la crítica seguía cuestionando si su autor tenía algún derecho a llamarse pintor. Junto a él produjo escenas bíblicas como El neófito, temas mitológicos como Andrómeda y, tras sus viajes por Escocia con Jerrold, sombríos paisajes de las Tierras Altas con lagos y cumbres envueltas en niebla.

Doré nunca se casó y vivió toda su vida en París con su adorada madre, Alexandrine; la muerte de esta en 1881 lo destrozó. Siguió trabajando, agotado y cada vez más enfermo, hasta que se derrumbó y murió de una enfermedad cardíaca en París el 23 de enero de 1883, a los cincuenta y un años. Sus grabados siguieron imprimiéndose durante generaciones; sus cuadros, el reconocimiento que más ansiaba, quedaron en gran medida olvidados hasta que los museos empezaron a rescatarlos un siglo después.

Cinco cuadros famosos

Cristo saliendo del pretorio 1872

El cuadro más ambicioso de Doré, un lienzo monumental en el que se afanó durante años como respuesta a los críticos que lo despachaban como un simple grabador. Cristo, condenado y sereno, avanza entre una multitud vasta y agitada de soldados romanos, sacerdotes y dolientes que llena casi cada centímetro del lienzo, con su figura iluminada como el único punto de quietud en medio del caos circundante. Presentado en 1872, atrajo multitudes asombradas tanto en París como en Londres, prueba de que el público corriente, pensara lo que pensara el jurado del Salón, sí reconocía la escala y la ambición reales cuando las tenía delante.

Andrómeda 1869

Andrómeda, la princesa mitológica encadenada a una roca en el mar como castigo por la vanidad de su madre, espera al monstruo que la devorará a menos que Perseo llegue a tiempo. Doré pinta su cuerpo pálido y retorcido, aislado contra un mar agitado e iluminado por la tormenta, el mismo tipo de cielo tempestuoso y agua violenta que llevaba años representando en sus grabados de naufragios y monstruos marinos. Es una de sus escasas incursiones en el desnudo académico, un género sobre el que otros pintores del Salón construyeron carreras enteras, pero que Doré, absorto en epopeyas religiosas y encargos editoriales, apenas tocó. El drama aquí procede tanto del clima y la oscuridad como de la propia figura expuesta.

Loch Lomond 1875

Tras recorrer Escocia con el periodista Blanchard Jerrold, Doré regresó con una serie de paisajes de las Tierras Altas, y esta sombría vista del lago Loch Lomond está entre los mejores. Montañas superpuestas se difuminan en la niebla y las nubes, suavizándose cuanto más se alejan del espectador, mientras las aguas quietas y oscuras del lago reflejan el cielo tenue de arriba casi sin una sola onda. Aquí no hay multitud, ni drama bíblico, ni ilustración que servir: solo clima, distancia y escala, tratados con el mismo apetito por lo sublime que definía sus tormentas grabadas, pero ahora con el color de un pintor en lugar de la línea de un grabador, en una de sus obras más silenciosas y menos teatrales.

Tierras Altas de Escocia 1875

Compañero de las otras vistas de las Tierras Altas de Doré, este amplio panorama renuncia por completo a cualquier presencia humana en favor de la escala pura del paisaje: picos escarpados y laderas rocosas se pierden en una distancia brumosa y surcada de nubes, con el terreno salvaje empequeñeciendo cualquier rastro humano. Pintado a partir de bocetos tomados durante sus viajes por Escocia con Blanchard Jerrold, muestra a Doré trabajando más cerca de la tradición sublime de Salvator Rosa que de sus propios y famosos grabados, prefiriendo una pincelada suelta y atmosférica a la línea fina de la imprenta, prueba de que sus ambiciones iban mucho más allá de las epopeyas bíblicas por las que hoy sigue siendo más conocido.

El neófito (Primera experiencia del monasterio) 1868

Un joven novicio se sienta rígido en la sillería del coro de una capilla monástica en penumbra, flanqueado por monjes ancianos con pesados hábitos oscuros, y su rostro inseguro y ansioso destaca de inmediato entre los demás. Doré da a cada anciano una expresión distinta —uno absorto en una devoción genuina, otro adormilado, otro con algo cercano a una astuta autocomplacencia—, convirtiendo una escena tranquila de oración comunitaria en un sutil estudio sobre la duda y la vocación. Pintado el mismo año en que abrió su propia galería en Londres, muestra que sus ambiciones pictóricas no se limitaban al espectáculo, y aquí trabaja a una escala íntima y psicológica poco habitual entre sus abarrotadas epopeyas religiosas.