François Boucher

Estilo y técnica

Boucher pintaba un mundo sin sombras. O mejor dicho, entendía la sombra como otra clase de color cálido — un rosa más profundo, un azul grisáceo más frío — en lugar de como ausencia de luz. Cada superficie de sus lienzos brilla: la piel de sus figuras de Venus, el satén de sus cortinas, el pelo de sus perros falderos, las plumas en el sombrero de cada pastora. El efecto total es lujoso hasta la saciedad, y ese era exactamente el propósito.

Fue el pintor oficial de la corte de Luis XV y el favorito personal de Madame de Pompadour, la primera amante del rey, que poseía docenas de sus obras y le encargó cartones para tapices de las manufacturas de Beauvais y los Gobelinos. Su estética no era accidental sino absolutamente deliberada: el vocabulario visual de la monarquía absoluta en su forma más cómoda y satisfecha de sí misma.

Su mitología es implacablemente placentera. Su Venus nunca es severa ni distante; es una joven cálida y ligeramente rechoncha, cómodamente horizontal, atendida por putti que apenas contienen sus sonrisas. Sus escenas pastorales tienen pastoras con sedas imposibles y pastores con sombreros adornados con cintas — nadie en su campiña es pobre, está frío ni cansado.

Técnicamente era un artista de enorme habilidad. Dibujaba con una fluidez excepcional — el Louvre conserva cientos de sus dibujos al carboncillo y a la sanguina, y en ellos se aprecia un don para la línea que su pintura a veces oculta bajo sus superficies decorativas. Su color era ampliamente admirado incluso por sus rivales: el azul pálido específico que domina muchos de sus cielos y telas se conoció en toda Europa como el «azul Boucher».

Su influencia se extendió tanto a través de las artes decorativas como de la pintura: sus diseños para la porcelana de Sèvres, los tapices y los paneles interiores configuraron el gusto francés durante la segunda mitad del siglo XVIII de maneras que todavía son visibles en cualquier anticuario.

Vida y legado

Boucher nació el 29 de septiembre de 1703 en París, hijo de un encajero. Se formó bajo la tutela de su padre y luego con el pintor François Lemoyne antes de ganar el Premio de Roma en 1723, a los veinte años. Pasó cuatro años en Roma, pero encontró los monumentos antiguos menos útiles que las pinturas de Pietro da Cortona y la tradición barroca de techos decorativos. Regresó a París en 1731 y fue admitido en la Real Academia el mismo año.

Su ascenso fue rápido y casi sin obstáculos. Recibió grandes encargos reales, fue nombrado director de la fábrica de tapices de los Gobelinos en 1755 y en 1765 se convirtió en Primer Pintor del Rey — el título oficial más alto en el establishment artístico francés. También enseñó extensamente, y entre sus alumnos se encontraba Jean-Honoré Fragonard, que desarrollaría su sensibilidad en una dirección más abiertamente erótica.

Madame de Pompadour fue la relación central de su carrera. Le fue presentada hacia 1745 y de inmediato se convirtió en su mecenas más importante, encargándole retratos, escenas mitológicas y conjuntos decorativos para sus diversas residencias. La retrató varias veces de manera directa, y aparece en su obra como ideal de la mujer aristocrática cultivada — leyendo, ante su tocador, rodeada de los objetos de la civilización refinada.

Su carrera alcanzó su cénit en los años cincuenta y sesenta. A finales de los sesenta, la corriente filosófica en Francia había girado en su contra. Diderot, el gran enciclopedista y crítico de arte, atacó su obra repetidamente en sus reseñas del Salón — juzgándola moralmente vacía, técnicamente superficial y sintomática de la decadencia de una corte corrompida. Estos ataques le dolieron, pero no mermaron del todo su reputación en vida.

Con la Revolución Francesa a dieciocho años de distancia, su mundo — el mundo de la comodidad y el placer del Antiguo Régimen — ya empezaba a sentirse precario. El severo Neoclasicismo de Jacques-Louis David barrería pronto su estética de las paredes de la París elegante y la reemplazaría con algo que no podría haber sido más diferente.

Cinco cuadros famosos

Diana en reposo tras el baño 1742

Dos mujeres desnudas — Diana la cazadora y una compañera — descansan junto a un estanque tras bañarse. Diana se sienta un poco más alta, con el pie elevado mientras su acompañante le retira algo; su carcaj y sus perros de caza yacen cerca. La pintura es un pretexto para dos desnudos femeninos bellamente representados en un paisaje, y Boucher no hace ningún esfuerzo real por disimularlo. Lo que la salva de ser mera titilación es la calidad de la pintura de la carne: la luz cae de modo diferente en los dos cuerpos, más fría sobre la compañera, más cálida sobre Diana, y el contraste otorga a la composición una complejidad visual inesperada. Cuelga en el Louvre de París.

El triunfo de Venus 1740

Un gran lienzo horizontal — 130 por 162 centímetros — que muestra a Venus emergiendo del mar, rodeada de tritones, nereidas, delfines y una nube de putti. La composición es un homenaje directo a los tratamientos similares de Rubens, pero Boucher ha rebajado la temperatura del dorado cálido flamenco a su caracterísico azul pálido y rosa. La propia Venus no es del todo la belleza clásica de Tiziano, sino una figura más suave y accesible, casi sonriente al espectador. El mar bajo ella es de un verde pálido y luminoso. Fue pintada para la corte sueca y cuelga en el Nationalmuseum de Estocolmo.

Odalisca rubia 1752

Una joven — probablemente Marie-Louise O'Murphy, una de las amantes de Luis XV — yace boca abajo sobre una chaise longue, el cuerpo vuelto hacia el espectador, el rostro girado hacia la derecha. Está completamente desnuda salvo por una cinta pálida en el pelo. El escenario es un diván cubierto de cojines de seda. Aquí no hay pretensión mitológica: es un retrato erótico directo, encargado casi con toda certeza para el propio Luis XV. Le siguió una segunda versión. La figura fue reutilizada en un grabado posterior. La pintura cuelga en la Alte Pinakothek de Múnich.

El baño de Venus 1751

Una versión tardía del tema favorito de Boucher, pintada para los apartamentos de Madame de Pompadour en Bellevue. Venus recuesta en un paisaje o gruta mientras los putti la atienden — uno sostiene un espejo, otro vierte agua. El color está en su punto más refinado: la piel pálida contra la tela dorada cálida contra la pared azul grisácea de la gruta. La pintura demuestra la capacidad de Boucher para organizar una composición compleja de múltiples figuras alrededor de un centro luminoso único. Cuelga en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York.

Reinaldo y Armida 1734

Una obra temprana, pintada cuando Boucher tenía treinta y un años y estaba estableciendo su modo mitológico-pastoral. Del poema épico de Tasso «Jerusalén liberada»: el caballero cruzado Reinaldo cae bajo el hechizo de la hechicera Armida y queda cautivo en su jardín encantado. Boucher lo muestra dormido, con la cabeza en el regazo de ella, en un luminoso paisaje de cielo azul y luz dorada. El jardín tiene la cualidad peculiar de todos sus paisajes: es ligeramente demasiado verde, demasiado cálido, perpetuamente por la tarde. Armida lo mira con una expresión atrapada entre el deseo y la culpa.