François Boucher

Stile e tecnica

Boucher dipinse un mondo senza ombre. O meglio, capiva l'ombra come un altro tipo di colore caldo — un rosa più profondo, un grigio-azzurro più freddo — piuttosto che come assenza di luce. Ogni superficie nelle sue tele brilla: la pelle delle sue figure di Venere, il raso delle sue tende, il pelo dei suoi cagnolini, le piume nel cappello di ogni pastorella. L'effetto complessivo è lussuoso fino all'eccesso, e questo era esattamente il punto.

Era il pittore ufficiale della corte di Luigi XV e il prediletto personale di Madame de Pompadour, la favorita del re, che possedeva decine delle sue opere e lo aveva incaricato di disegnare cartoni per arazzi per le manifatture di Beauvais e Gobelins. La sua estetica non era accidentale ma del tutto deliberata: il vocabolario visivo della monarchia assoluta nella sua forma più comoda e compiaciuta.

La sua mitologia è instancabilmente piacevole. La sua Venere non è mai severa o distante; è una giovane donna calda, leggermente rotonda, comodamente in posizione orizzontale, assistita da putti che a fatica trattengono i sorrisi. Le sue scene pastorali hanno pastorelle in sete impossibili e pastori con cappelli ornati di nastri — nessuno nella sua campagna è povero, infreddolito o stanco.

Tecnicamente era superbamente abile. Disegnava con eccezionale fluidità — il Louvre conserva centinaia dei suoi disegni a gessetto, e mostrano un talento per la linea che la sua pittura a volte nasconde sotto le superfici decorative. Il suo colore era ampiamente ammirato anche dai rivali: il particolare azzurro pallido che domina molti dei suoi cieli e dei suoi drappeggi divenne noto in tutta Europa come «blu Boucher».

La sua influenza si diffuse attraverso le arti decorative tanto quanto attraverso la pittura: i suoi disegni per la porcellana di Sèvres, per gli arazzi e per i pannelli interni plasmarono il gusto francese nella seconda metà del XVIII secolo in modi ancora visibili in ogni negozio di antiquariato.

Vita ed eredità

Boucher nacque il 29 settembre 1703 a Parigi, figlio di un merlettaio. Si formò con il padre e poi con il pittore François Lemoyne prima di vincere il Prix de Rome nel 1723, all'età di vent'anni. Trascorse quattro anni a Roma ma trovò i monumenti antichi meno utili dei dipinti di Pietro da Cortona e della tradizione decorativa barocca dei soffitti. Tornò a Parigi nel 1731 e fu ammesso alla Reale Accademia lo stesso anno.

La sua ascesa fu rapida e quasi priva di ostacoli. Ricevette grandi commissioni reali, fu nominato direttore della manifattura di arazzi dei Gobelins nel 1755 e nel 1765 divenne Primo Pittore del Re — il titolo ufficiale più alto nel sistema delle arti francesi. Insegnò anche ampiamente, e tra i suoi studenti figurava Jean-Honoré Fragonard, che avrebbe sviluppato la sua sensibilità in una direzione più apertamente erotica.

Madame de Pompadour fu il rapporto centrale della sua carriera. Fu introdotta al suo lavoro intorno al 1745 e divenne immediatamente il suo più importante mecenate, commissionando ritratti, scene mitologiche e insiemi decorativi per le sue varie residenze. La dipinse più volte in ritratti diretti, e appare nel suo lavoro come ideale di donna aristocratica colta — che legge, alla sua toeletta, circondata dagli oggetti della civiltà cortese.

La sua carriera raggiunse il culmine negli anni Cinquanta e Sessanta del Settecento. Verso la fine degli anni Sessanta, la marea filosofica in Francia si era rivoltata contro di lui. Diderot, il grande enciclopedista e critico d'arte, attaccò ripetutamente il suo lavoro nei resoconti dei Salon — trovandolo moralmente vuoto, tecnicamente superficiale e sintomatico della decadenza di una corte corrotta. Questi attacchi fecero male ma non diminuirono del tutto la sua reputazione in vita.

Con la Rivoluzione francese a diciotto anni di distanza, il suo mondo — il mondo della facilità e del piacere dell'Ancien Régime — cominciava già a sembrare precario. Il severo Neoclassicismo di Jacques-Louis David avrebbe presto spazzato via la sua estetica dalle pareti della Parigi alla moda, sostituendola con qualcosa che non avrebbe potuto essere più diverso.

Cinque dipinti famosi

Diana a riposo dopo il bagno 1742

Due donne nude — Diana la cacciatrice e una compagna — si riposano accanto a una pozza dopo essersi bagnate. Diana siede leggermente più in alto, con il piede alzato mentre la sua attendente le rimuove qualcosa; la faretra e i cani da caccia sono lì vicino. Il dipinto è un pretesto per due bellissimi nudi femminili in un paesaggio, e Boucher non fa alcun vero tentativo di mascherarlo. Ciò che lo salva dalla mera titillazione è la qualità della pittura delle carni: la luce cade diversamente sui due corpi, più fredda sulla compagna, più calda su Diana, e il contrasto conferisce alla composizione una complessità visiva inaspettata. Si trova al Louvre di Parigi.

Il trionfo di Venere 1740

Una grande tela orizzontale — 130 per 162 centimetri — che mostra Venere che emerge dal mare, circondata da tritoni, nereidi, delfini e una nuvola di putti. La composizione è un omaggio diretto ai trattamenti analoghi di Rubens, ma Boucher ha raffreddato la temperatura dall'oro caldo fiammingo al suo caratteristico azzurro-e-rosa pallido. La Venere stessa non è proprio la bellezza classica di Tiziano ma una figura più morbida e più accessibile, quasi sorridente allo spettatore. Il mare sotto di lei è un verde pallido e luminoso. Fu dipinto per la corte svedese e si trova al Nationalmuseum di Stoccolma.

Odalisca bionda 1752

Una giovane donna — probabilmente Marie-Louise O'Murphy, una delle amanti di Luigi XV — è distesa a faccia in giù su una chaise longue, il corpo rivolto verso lo spettatore, il viso girato verso destra. È completamente nuda tranne per un nastro pallido tra i capelli. L'ambientazione è un divano disseminato di cuscini di seta. Non c'è qui nessuna finzione mitologica: questo è un ritratto erotico diretto, commissionato quasi certamente da Luigi XV in persona. Fu seguito da una seconda versione. La figura fu riutilizzata in un'incisione successiva. Il dipinto si trova all'Alte Pinakothek di Monaco di Baviera.

Il bagno di Venere 1751

Una versione tarda del soggetto preferito di Boucher, dipinta per gli appartamenti di Madame de Pompadour a Bellevue. Venere è distesa in un paesaggio o in una grotta mentre i putti la assistono — uno regge uno specchio, un altro versa acqua. Il colore è al suo più raffinato: la pelle pallida contro il tessuto oro caldo contro la parete grigio-azzurra della grotta. Il dipinto dimostra la capacità di Boucher di organizzare una complessa composizione multifigura attorno a un unico centro luminoso. Si trova al Metropolitan Museum of Art di New York.

Rinaldo e Armida 1734

Un'opera precoce, dipinta quando Boucher aveva trentun anni e stava definendo il suo modo mitico-pastorale. Dal poema epico di Tasso «La Gerusalemme liberata»: il cavaliere crociato Rinaldo cade sotto l'incantesimo della maga Armida ed è tenuto prigioniero nel suo giardino incantato. Boucher lo mostra addormentato, la testa in grembo a lei, in un paesaggio luminoso di cielo azzurro e luce dorata. Il giardino ha la qualità peculiare di tutti i suoi paesaggi: è leggermente troppo verde, troppo caldo, perpetuamente pomeriggio. Armida lo guarda dall'alto con un'espressione sospesa tra desiderio e senso di colpa.