Hilma af Klint

Estilo y técnica

La obra madura de Hilma af Klint se despliega en una escala casi inaudita para una pintora de su generación que trabajaba al margen de cualquier vanguardia reconocida: lienzos y hojas de papel de varios metros de altura, poblados de espirales, retículas, conchas y florecimientos biomórficos que parecen flotar entre el dibujo botánico y la geometría pura. Llegó a este vocabulario no a través de los experimentos formales incrementales de sus contemporáneos parisinos o muniqueses, sino, según su propio testimonio, mediante dictado espiritual directo. Trabajando primero con dibujo automático en sesiones espiritistas con su círculo "Las Cinco", y más tarde bajo lo que ella describía como la guía de entidades espirituales superiores, af Klint trataba el lienzo como un instrumento receptor y no como un lugar de invención personal: las manos se movían más rápido que el pensamiento consciente, las formas llegaban ya completas en lugar de ser compuestas.

El color en sus pinturas nunca es decorativo; es un lenguaje codificado. El azul representa el principio femenino, el amarillo el masculino, y los pasajes donde ambos se entrelazan o se resuelven en rosa y violeta marcan la unión que ella creía subyacente a toda la creación. Motivos recurrentes —espirales que se desenrollan hacia el infinito, cisnes emparejados en simetría especular, palomas que ascienden a través de anillos concéntricos, árboles cuyas ramas se bifurcan en diagramas de evolución espiritual— forman una cosmología privada tanto como visual, deudora de la Teosofía y más tarde de la Antroposofía de Rudolf Steiner, pero enteramente invención suya.

Es crucial señalar que af Klint no consideraba estas obras como pinturas destinadas al mercado del arte, ni siquiera, en un principio, a la exhibición pública. Convencida de que su verdadero público todavía no existía, estipuló en su testamento que las pinturas abstractas permanecieran ocultas durante veinte años tras su muerte: un embargo autoimpuesto sin parangón en la historia del arte moderno, nacido de la misma convicción que había impulsado la obra misma: que ella era un conducto para un mensaje que el mundo aún no estaba preparado para recibir.

Vida y legado

Hilma af Klint nació el 26 de octubre de 1862 cerca de Solna, Suecia, hija de un comandante naval con un fuerte interés por las matemáticas. Mostró talento temprano para el dibujo y en 1882 ingresó en la Real Academia de Bellas Artes de Estocolmo, donde recibió una formación convencional en retrato, paisaje e ilustración botánica. Se graduó con honores en 1887 y le concedieron un estudio subvencionado en el Edificio Atelier de la ciudad, que conservó durante décadas. A lo largo de las décadas de 1890 y 1900 se mantuvo como artista en activo en el sentido tradicional, exponiendo y vendiendo retratos y paisajes naturalistas en los circuitos artísticos habituales de Estocolmo, un trabajo completamente distinto de aquello por lo que más tarde sería célebre.

Paralela a esta carrera pública transcurría otra privada. Af Klint se había sentido atraída por el espiritismo desde la adolescencia, sentimiento agudizado por la muerte de su hermana menor en 1880, y en 1896 formó un grupo con otras cuatro mujeres —Anna Cassel, Cornelia Cederberg, Sigrid Hedman y Mathilda Nilsson— conocido como "Las Cinco". Reuniéndose semanalmente, practicaban sesiones espiritistas, escritura automática y, con el tiempo, dibujo automático, registrando mensajes que atribuían a guías espirituales a los que llamaban los Altos Maestros. En 1905 af Klint entendió que había recibido el encargo de una de esas entidades, "Amaliel", de producir un ciclo de pinturas para un templo en espiral. Comenzó al año siguiente, y entre 1906 y 1915 produjo las 193 obras hoy conocidas como Pinturas para el Templo, empezando por los pequeños y agitados estudios de Caos Primordial y escalando rápidamente hacia obras monumentales pintadas a gran velocidad, aparentemente sin bocetos previos.

Una visita a su estudio en 1908 de Rudolf Steiner, cuya Antroposofía admiraba profundamente, la dejó inquieta —según se cuenta, él desaconsejó su método mediúmnico— y dejó de pintar durante cuatro años para cuidar a su madre enferma. Retomó la obra en 1912 con una mano más deliberada, aunque todavía esotérica, completando el ciclo del Templo en 1915 y permaneciendo activa, cada vez más bajo la influencia de Steiner, hasta su muerte en un accidente de tráfico el 21 de octubre de 1944 en Djursholm.

Convencida de que el mundo no estaba preparado para lo que había creado, af Klint dejó instrucciones de que las pinturas abstractas permanecieran ocultas durante veinte años tras su muerte. Incluso ese plazo transcurrió en gran medida sin repercusión; su sobrino Erik af Klint heredó más de mil obras y cuadernos que permanecieron sin estudiar en un almacén. Solo un puñado de pinturas apareció en la exposición de Los Ángeles de 1986 The Spiritual in Art, y hizo falta la gran retrospectiva del Museo Guggenheim de 2018-19, Paintings for the Future —su exposición más visitada— para asegurar su posición actual como una de las primeras pintoras de la abstracción pura en Occidente, adelantada varios años a Kandinsky.

Cinco cuadros famosos

Las diez más grandes, n.º 7, Edad adulta 1907

Pintado en cuestión de días como parte del Grupo IV, Las diez más grandes, este es uno de los diez lienzos de más de tres metros de altura que af Klint realizó en 1907 para trazar las cuatro edades de la vida —infancia, juventud, edad adulta, vejez— en un único e ininterrumpido arranque de trabajo. El n.º 7 representa la edad adulta mediante espirales entrelazadas, zarcillos enroscados y suaves discos biomórficos en albaricoque, violeta y azul, con letras y números entretejidos en la composición como anotaciones de una mano invisible. Af Klint describía trabajar casi en trance, con formas dictadas más rápido de lo que podía planear conscientemente: pinturas que se adelantan varios años a las primeras abstracciones de Kandinsky, aunque permanecieron ocultas durante décadas.

El cisne, n.º 1 1915

Parte del Grupo IX/SUW, la serie El cisne de af Klint, este lienzo abre la secuencia con un único cisne en blanco y negro que se enfrenta a su reflejo especular sobre un rígido fondo de tablero de ajedrez. En las obras siguientes, las dos aves se disuelven en discos superpuestos, triángulos y campos de color, trazando un movimiento desde la dualidad clara hacia una forma fusionada y ambigua. El cisne llevaba consigo, en el pensamiento teosófico que ella había asimilado, asociaciones con la pureza y la transformación, y af Klint lo utilizó para plantear un argumento visual sobre la polaridad —luz y oscuridad, materia y espíritu— que se resuelve hacia la unidad, representada con la nítida claridad heráldica de su formación botánica.

Caos primordial, n.º 16 1906-1907

Las obras más tempranas del ciclo Pinturas para el Templo, la serie Caos primordial, son modestas en formato pero radicales en lo que intentan: representar el instante previo a que la forma se condense en materia. El n.º 16 está dominado por una espiral cerrada en azul y dorado que se despliega sobre un fondo agitado, similar a una nube, con las letras "U" y "W" —abreviaturas que af Klint usaba en todo el ciclo para espíritu y materia— inscritas cerca del borde. Pintado en 1906-07, antes de que Kandinsky, Kupka o Mondrian realizaran sus primeras obras plenamente abstractas, estos pequeños lienzos marcan el verdadero origen de su práctica mediúmnica, con la mano guiada más rápido de lo que el pensamiento consciente podía seguir.

La paloma, n.º 1 1915

Pintada en 1915 cuando af Klint llevaba Pinturas para el Templo hacia su cierre, La paloma, n.º 1 pertenece al Grupo IX/UW, una secuencia construida en torno al ave como emblema de ascenso espiritual. Anillos concéntricos en azul, rosa y gris irradian hacia fuera desde una forma central suave, con la paloma disuelta casi por completo en puro patrón antes que representada de manera figurativa. En esta etapa af Klint trabajaba con mayor control compositivo que en las primeras pinturas del Templo, guiadas por el trance, equilibrando la fuente mediúmnica con una estructura más deliberada y diagramática, moldeada por su compromiso cada vez más profundo con la Antroposofía de Rudolf Steiner.

El árbol del conocimiento, n.º 1 1913-1915

Un conjunto de acuarelas de 1913-1915, la serie El árbol del conocimiento fusiona el trazo botánico que af Klint practicaba desde sus tiempos de academia con el simbolismo esotérico de su obra madura. El n.º 1 muestra un árbol representado con precisión casi científica —raíz, tronco, copa ramificada— superpuesto con bandas de color en espiral y diagramas incrustados a modo de anotaciones de una cosmología privada de evolución espiritual. Mientras los enormes lienzos del Templo se realizaban con rapidez bajo guía mediúmnica, esta hoja de menor tamaño muestra cómo razonaba a mano su sistema simbólico, tendiendo un puente entre su formación y la abstracción visionaria por la que solo sería reconocida décadas después.