Amedeo Modigliani

Style et technique

Modigliani n'a peint pratiquement qu'un seul type de tableau tout au long de sa carrière : la figure humaine, généralement seule, généralement en portrait de trois quarts ou en nu allongé, avec un visage qui semble issu de la sculpture non européenne et un corps doucement étiré au-delà de l'exactitude anatomique, vers quelque chose de plus proche de la vérité émotionnelle.

Les visages sont sa signature. Le nez est allongé, souvent légèrement tourné d'un côté ; les yeux sont en amande et souvent peints avec une ou deux iris vides — pas de pupille, pas de reflet, nulle fenêtre sur l'âme au sens conventionnel. Le cou est trop long ; les épaules s'inclinent. Les figures occupent leur toile avec une qualité particulière de présence physique, à la fois intime et lointaine. Elles sont proches, et elles sont ailleurs.

L'allongement n'est pas une déformation gratuite mais une stratégie formelle : en s'écartant des proportions anatomiques de façon cohérente, presque systématique, Modigliani produisait des visages et des corps chargés d'un poids émotionnel sans spécificité narrative. On sait que ces visages sont des personnes réelles — ils ont été observés, posés, enregistrés — mais ils ont été transformés en un registre à mi-chemin entre le portrait et l'icône.

Ses sources directes étaient la sculpture africaine et océanienne, qu'il a découverte au Trocadéro à Paris et qui a confirmé son intuition que la forme non naturaliste pouvait porter une autorité spirituelle et émotionnelle plus grande que la peinture académique dans laquelle il s'était formé. Il fut aussi profondément influencé par la simplification des formes chez Cézanne et par les peintres siennois des XIIIe et XIVe siècles, dont il avait vu les figures allongées dans les églises d'Italie centrale dans sa jeunesse.

Quatre empreintes caractéristiques : le visage ovale allongé aux yeux en amande et au long nez, l'œil sans regard ou tourné vers l'intérieur qui refuse la prétention du portrait conventionnel à révéler un caractère, des champs de couleur chauds et terreux derrière la figure qui aplatissent la profondeur spatiale, et une élégance constante du contour qui donne même à la pose la plus désinvolte la qualité d'une œuvre soigneusement composée.

Vie et héritage

Modigliani est né le 12 juillet 1884 à Livourne, ville portuaire de Toscane, quatrième enfant d'une famille juive italienne qui avait connu des difficultés financières aux alentours de sa naissance. Il a grandi en lisant Dante, Nietzsche et les poètes symbolistes italiens, baignant dans une atmosphère culturelle qui faisait de l'intensité, de la beauté et du sérieux artistique des engagements quasi religieux.

Sa santé était fragile depuis l'enfance — il a souffert de pleurésie à quatorze ans, laissant une faiblesse durable dans ses poumons, et la tuberculose fut diagnostiquée dans la vingtaine. Il a étudié la peinture à Livourne, Florence et Venise, où il a découvert la grande tradition italienne de la peinture de figure et commencé à comprendre ce dont il allait passer sa carrière à s'éloigner.

Il arriva à Paris en 1906, s'installa à Montparnasse et y passa quatorze ans dans des conditions qui allaient du précaire au désespéré. Il se lia rapidement d'amitié — Picasso, Soutine, Rivera, Max Jacob — et évolua dans l'avant-garde parisienne avec une combinaison de charme, de beauté et de volatilité qui devint légendaire. Il buvait, se droguait, donnait ses dessins contre des repas, était extravagant quand il avait de l'argent et digne quand il n'en avait pas.

Ses années de sculpture, de 1909 environ à 1914, ont produit une série de têtes en pierre qui comptent parmi les œuvres les plus originales du siècle, mais l'effort de la taille de pierre sollicitait des poumons déjà fragilisés par la tuberculose, et il revint finalement à la peinture. Les portraits et les nus qui ont suivi — l'ensemble principal de l'œuvre sur lequel repose sa réputation — furent produits en une période concentrée d'environ six ans, de 1914 à sa mort.

Son marchand fut Paul Guillaume, puis le jeune marchand polonais Léopold Zborowski, qui le prit en charge en 1917 et organisa l'exposition à la galerie Berthe Weill dont les nus provoquèrent un tel scandale que la police ferma la salle le soir même de l'inauguration : la première fois, nota Modigliani avec satisfaction, qu'une exposition de peinture était fermée par la police.

En 1917, il rencontra Jeanne Hébuterne, une jeune étudiante en art qui devint sa compagne et la mère de sa fille. Elle avait dix-neuf ans quand ils se rencontrèrent ; elle en avait vingt et un quand, le lendemain matin de sa mort, elle se jeta par la fenêtre du cinquième étage.

Sa réputation posthume s'est répandue rapidement. En quelques années, son œuvre était collectionnée et célébrée dans le monde entier.

Cinq tableaux célèbres

Paul Guillaume, Novo Pilota 1915

Huile sur carton, 105 × 75 cm, musée de l'Orangerie, Paris. Le jeune marchand d'art Paul Guillaume — vingt-trois ans quand ce portrait fut peint — fut le premier défenseur sérieux de Modigliani : il achetait ses œuvres, payait son loyer et lui prêtait l'atelier où il peignit entre 1914 et 1916. L'inscription gravée dans la peinture fraîche en haut à gauche se lit PAUL GUILLAUME NOVO PILOTA — « Paul Guillaume, le nouveau pilote » — une déclaration publique que ce marchand guiderait la nouvelle École de Paris. Le modèle est représenté dans la pose formelle de trois quarts d'un portrait de la Renaissance, mais Modigliani a allongé le visage en ce masque aux yeux en amande qu'il sculptait dans la pierre l'année précédente. La couleur est limitée à l'ocre, au noir et à la rouille — presque une palette de sculpteur traduite en peinture.

Portrait de Jeanne Hébuterne 1919

L'un des derniers et des plus beaux des nombreux portraits qu'il a peints de sa compagne Jeanne Hébuterne dans les dernières années de sa vie. Elle est représentée de trois quarts, les cheveux sombres simplement arrangés, son long cou et sa tête inclinée portant l'allongement caractéristique de Modigliani. Le fond est un ocre chaud ; la figure est simplement vêtue. Le visage a les yeux vides caractéristiques — les deux iris non peints — donnant au portrait une qualité d'absorption intérieure entièrement différente du regard tourné vers l'extérieur du portrait conventionnel. Il l'a peinte des dizaines de fois ; celui-ci est parmi les plus sereins.

Portrait de Jean Cocteau 1916

Huile sur toile, 100 × 81 cm, Henry and Rose Pearlman Foundation (en prêt au Princeton University Art Museum). Peint à l'automne 1916 dans l'atelier que Modigliani partageait alors avec le marchand Léopold Zborowski. Cocteau, qui avait vingt-six ans, venait de publier Le Potomak ; il allait bientôt monter Parade avec Picasso, Satie et Diaghilev. Cocteau écrivit plus tard que le portrait « ne me ressemble pas, mais il ressemble à Modigliani — ce qui est mieux ». La cravate étroite, le haut col blanc, le mouchoir nonchalant dans la poche de poitrine : un jeune dandy de l'avant-garde. Modigliani a allongé la tête en un ovale étroit et l'a inclinée sur la colonne du cou — la géométrie du masque africain absorbée de Brâncuși transposée sur un intellectuel parisien. La couleur est réduite au bleu profond, au rouge sang et au beige chaud de la peau.

Portrait de Chaim Soutine 1916

Huile sur toile, 100 × 65 cm, collection Stavros Niarchos. L'un des plusieurs portraits que Modigliani fit de son ami le plus proche à Paris — le peintre d'origine lituanienne Chaim Soutine, qui vécut par périodes dans l'atelier de Modigliani et partagea sa pauvreté et ses dépendances. Les deux étaient inséparables à Montparnasse : Soutine était gauche, peu soigné, ne s'exprimant couramment qu'en yiddish et dans un français approximatif, et Modigliani était celui qui l'emmenait dans les galeries et lui corrigeait ses manières à table. Le portrait fixe Soutine de face, le visage large remplissant la toile, les yeux dédoublés par le masque sans pupilles caractéristique de Modigliani mais restant clairement individuels — paupières lourdes, lèvres pleines, l'intelligence bourrue que portait Soutine. L'inscription SOUTINE en haut à gauche nomme le modèle aussi directement qu'une étiquette. Après la mort de Modigliani en 1920, Soutine a gardé cette toile avec lui jusqu'à la fin de sa vie.

Portrait de Léopold Zborowski 1916

Un portrait de son marchand et ami, qui le prit en charge à l'époque la plus difficile et lui resta fidèle jusqu'au bout. Zborowski est représenté de trois quarts, en costume sombre, les mains visibles. Le visage est caractéristique de Modigliani — long, légèrement anguleux, avec un œil légèrement plus haut que l'autre — mais il y a une chaleur dans ce portrait qui le distingue de ses commandes plus formelles. Le fond est un brun chaud sobre. Le tableau est l'un des plusieurs qu'il fit de Zborowski et de son cercle — des portraits domestiques qui ont le ton de personnes à l'aise d'être regardées.