Sandro Botticelli

Stile e tecnica

Botticelli è il pittore della linea. Mentre la generazione fiorentina che lo precedette era stata ossessionata dalla prospettiva matematica e dal volume tridimensionale, Botticelli tirò l'occhio indietro verso una superficie piatta e decorativa in cui il contorno di ogni corpo, ogni velo, ogni ricciolo di capelli era disegnato con una linea lunga, flessibile, quasi calligrafica. La sua Venere non stava realmente sulla sua conchiglia — galleggiava su di essa, senza peso, tutta silhouette.

Questa era una scelta deliberata. Era stato addestrato nel laboratorio di Filippo Lippi a Firenze e aveva assorbito l'amore del maestro più anziano per la draperia graziosa e la postura elegante, quindi aveva spinto questo stile più lontano di chiunque altro. Entro i primi anni Ottanta il suo modo di dipingere era inconfondibile: figure pallide e leggermente allungate, teste inclinate delicatamente da un lato, espressioni malinconiche e remote, collocate contro prati o sfondi piatti d'oro presi in prestito dalla tradizione bizantina e senese.

Quattro impronte digitali rendono un Botticelli inconfondibile.

Linea continua e fluida. Traccia qualsiasi contorno con il dito — la silhouette di una figura, il bordo di una veste, l'ondulazione dei capelli — e troverai una curva singola che scorre ininterrotta per una distanza straordinaria. Ha disegnato il contorno per primo, in gesso; il colore è venuto dopo.

Volti pallidi e malinconici. Le sue Madonne, le sue Veneri, persino i suoi ritratti di mercanti fiorentini — tutti condividono gli stessi occhi leggermente abbassati, la stessa piccola bocca, la stessa aria di aver appena ricordato qualcosa di triste.

Piattezza decorativa. Le figure si collocano in spazio poco profondo, spesso contro un prato verde piatto o sfondo d'oro. La prospettiva è suggerita, mai aggressiva. L'immagine rimane un'immagine.

Mitologia resa come religione. Quando ha dipinto Venere, l'ha trattata con la stessa riverenza che i pittori fiorentini avevano dato alla Vergine Maria per secoli. Le scene mitologiche hanno un tono devozionale.

Ha terminato la sua carriera in crisi religiosa. Dopo che le prediche apocalittiche di Savonarola hanno spazzato Firenze nel mezzo degli anni Novanta, si dice che Botticelli abbia bruciato alcuni dei suoi stessi dipinti pagani nel grande Rogo delle Vanità nel 1497. Il suo stile tardo è diventato più scuro, più ansioso, quasi gotico. Entro la sua morte nel 1510, il suo modo gracile iniziale era già considerato antiquato — Leonardo e Michelangelo avevano spostato la pittura in una direzione diversa. Non è stato davvero riscoperto fino ai Pre-Raffaelliti nell'Inghilterra del XIX secolo si innamorarono di lui e lo resero famoso di nuovo.

Vita ed eredità

Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi nacque a Firenze intorno al 1444 o 1445. Il soprannome «Botticello» — «piccola botte» — fu applicato per la prima volta a suo fratello maggiore Giovanni, un grosso broker di lana, e rimase in tutta la famiglia. Sandro l'ha ereditato. Era il più giovane di quattro figli, suo padre un conciatore che lavorava da un negozio nel distretto di Ognissanti, la famiglia né ricca né povera.

Si addestrò per la prima volta come orafo, brevemente, prima di essere apprendistato all'età di quindici anni a Filippo Lippi, il grande frate carmelitano-pittore che si era famosamente allontanato con una suora. Lippi insegnò a Botticelli tutto quello che avrebbe usato dopo — i veli traslucidi, le Madonne calme, la lunga linea elegante. I due erano stretti. Quando Lippi morì nel 1469, Botticelli probabilmente finì alcuni dei ultimi lavori del suo maestro.

Entro il 1470 Botticelli aveva il suo proprio laboratorio a Firenze. Aveva 25 anni.

I Medici — Cosimo, poi Piero, poi Lorenzo il Magnifico — avevano gestito Firenze come una monarchia di fatto per quarant'anni attraverso la loro banca e le loro alleanze politiche. Non erano generosi patrocinatori vistosi. Preferivano commissionare arte per le loro ville e cappelle familiari piuttosto che per enormi commissioni pubbliche. Botticelli, tranquillo ed elegante, si adattava perfettamente. Dalla fine dei anni Settanta negli anni Ottanta ha dipinto dozzine di opere per i Medici e il loro circolo interno — pannelli di nozze, polittici di cappella, ritratti, e le due enormi allegorie mitologiche per cui è più famoso: «Primavera» (intorno al 1482) e «La Nascita di Venere» (intorno al 1485).

Entrambi i dipinti erano probabilmente progettati per Lorenzo di Pierfrancesco de' Medici, un cugino più giovane di Lorenzo il Magnifico, per la sua villa di campagna a Castello. Entrambi dipendono da idee filosofiche Neoplatoniche che circolavano nel circolo intellettuale dei Medici — la nozione di Marsilio Ficino dell'amore come un'ascesa spirituale — avvolta in immagini mitologiche che i patroni avrebbero capito.

Nel 1481 Papa Sisto IV convocò Botticelli a Roma, insieme a Ghirlandaio e Perugino, per dipingere affreschi sulle pareti laterali della Cappella Sistina — venti anni prima che Michelangelo arrivasse a dipingere il soffitto. I tre affreschi di Botticelli sono ancora lì, leggermente messi in ombra nella conversazione da quello che è venuto dopo.

Gli anni Novanta ruppero Firenze. Lorenzo il Magnifico morì nel 1492. I francesi invasero l'Italia nel 1494. I Medici furono espulsi. Girolamo Savonarola, un frate domenicano, assunse il controllo politico e spirituale di Firenze e iniziò a predicare sermoni apocalittici contro la corruzione morale dei Medici, della Chiesa cattolica e dell'arte pagana. Nel 1497 i suoi seguaci tennero il famoso Rogo delle Vanità, bruciando libri, specchi, gioielli, vestiti e dipinti nella Piazza della Signoria centrale. Vasari afferma che Botticelli — che era diventato un fervente Savanaroliano — ha gettato alcuni dei suoi stessi dipinti pagani nel fuoco. Se questo è esattamente vero è dibattuto; ciò che è certo è che lo stile di Botticelli è cambiato radicalmente dopo il 1497. Le dee pagane graziose scomparvero. I dipinti tardivi sono più scuri, più frenetici, pieni di scene religiose affollate e visioni apocalittiche.

Savonarola fu scomunicato, poi impiccato e bruciato nel 1498. I Medici eventualmente tornarono nel 1512. Botticelli morì il 17 maggio 1510, due anni prima che tornassero, all'età di 65 anni. Fu sepolto nel cimitero di Ognissanti, la stessa chiesa della parrocchia dove era stato battezzato. Vasari, scrivendo quarant'anni dopo, dice che morì povero e un po' dimenticato, ed era «così buon uomo che non poteva sopportare di rifiutare nessuno».

Per tre secoli il suo lavoro fu inedito. I primi pittori Pre-Raffaelliti negli anni Cinquanta di Londra — Dante Gabriel Rossetti, Edward Burne-Jones — si gettarono su di lui con fervore religioso, copiarono la sua linea e lo resero famoso di nuovo. Oggi l'Uffizi a Firenze tiene la più grande collezione del suo lavoro, con La Nascita di Venere e la Primavera come elementi centrali.

Cinque dipinti famosi

La Nascita di Venere 1485

Probabilmente il dipinto mitologico più famoso dell'intero Rinascimento. Dipinto intorno al 1485 su tela (inusuale per l'epoca — la maggior parte dei grandi lavori di questa scala erano su pannelli di legno), mostra Venere, la dea dell'amore, nata adulta dalla schiuma del mare, spinta a riva su una gigantesca conchiglia di capesante da Zefiro e Aura mentre una ninfa della stagione porge un mantello fiorito. La figura è pallida, quasi senza peso, modellata sulla Afrodite Cnidia — una famosa scultura greca persa che Botticelli avrebbe conosciuto solo da copie. La posizione di Venere, la sua mano modestamente collocata, è la formula Venere Pudica. Il dipinto è stato realizzato per la villa Medici a Castello ed è ora negli Uffizi a Firenze. È approssimativamente 1,7 per 2,8 metri.

Primavera 1482

L'allegoria mitologica più ambiziosa di Botticelli prima della Nascita di Venere, dipinta intorno al 1482 in tempera su un pannello di legno di circa due per tre metri. Ora negli Uffizi, fu probabilmente commissionata per Lorenzo di Pierfrancesco de' Medici e appesa nella sua villa fiorentina. Nove figure affollano un frutteto d'arance: Venere presiede al centro, la sua mano sollevata in benedizione; le Tre Grazie danzano a sinistra in veli trasparenti; Mercurio all'estrema sinistra disperde le nuvole con il suo caduceo; a destra, il dio del vento Zefiro afferra la ninfa Clori e Flora sparge i fiori attraverso il prato. L'iconografia trae da Ovidio e Lucrezio filtrati attraverso il Neoplatonismo di Marsilio Ficino — un'allegoria cortese dell'amore come il percorso che restituisce l'anima alla bellezza divina. Ai piedi, i botanici hanno identificato centotrenta­otto specie vegetali distinte dipinte con quasi precisione scientifica.

L'Adorazione dei Magi 1475

Tempera su pannello, 111 × 134 cm, Uffizi. Commissionato intorno al 1475 da Gaspare di Zanobi del Lama per la sua cappella funeraria a Santa Maria Novella, divenne qualcosa di più notevole di una pala d'altare devozionale: un ritratto virtuale della famiglia Medici mascherato come i re dell'Est. Cosimo il Vecchio si inginocchia ai piedi del Cristo Bambino — il re più anziano, il patriarca della dinastia, già morto quando Botticelli lo dipinse. I suoi figli Piero il Gottoso e Giovanni stanno in primo piano al centro. Lorenzo il Magnifico, ventisei anni, tiene una spada al bordo destro. Il dipinto contiene anche il primo autoritratto firmato che Botticelli abbia mai inserito in un'opera religiosa: all'estrema destra, in un mantello giallo lungo, un uomo barbuto guarda direttamente lo spettatore. L'immagine è, in effetti, una pubblicità Medici e una scheda di presentazione del pittore in un'unica cornice.

Ritratto idealizzato di una signora (Simonetta Vespucci) 1480

Un ritratto idealizzato di una giovane donna in elaborato acconciatura rinascimentale, dipinto intorno al 1480-1485 e tradizionalmente identificato con Simonetta Vespucci — la famosa bellezza fiorentina che ha fatto da modello per la Venere di Botticelli e che è morta di tubercolosi a 22 anni. L'identificazione è dibattuta; il dipinto è probabilmente tanto un ideale poetico quanto un ritratto. I capelli sono legati con perle e filettati con elaborate trecce e piume; il profilo è acuto e chiaro; il volto è lo stesso volto Madonna abbassato che Botticelli ha dipinto centinaia di volte. Il dipinto appende al Museo Städel di Francoforte.

La calunnia di Apelle 1495

Tempera su pannello, 62 × 91 cm, Uffizi. Un'opera tarda e turbata da dopo la crisi Savonarola che ha spazzato Firenze nel 1494. Il dipinto ricostruisce un capolavoro antico perduto descritto da Luciano di Samosata: il Re Mida con orecchie d'asino siede entronizzato a destra, fiancheggiato dalle personificazioni dell'Ignoranza e del Sospetto che sussurrano alle sue orecchie. Al centro, la figura della Calunnia — una bella giovane donna che tiene una torcia — trascina una vittima innocente per i capelli, accompagnata dall'Invidia, dal Tradimento e dalla Frode. All'estrema sinistra, la Penitenza in lutto scuro si gira verso una figura nuda della Verità, che punta verso il cielo. L'architettura dietro è densa di rilievi classici inventati da Botticelli in marmo. Rispetto alla Primavera o alla Nascita di Venere, il dipinto è più scuro, più fragile, più pessimista — l'opera di un uomo che ha osservato la sua città bruciare le sue vanità e si chiede cosa sia l'arte.