Edgar Degas

Stil und Technik

Degas gilt als Impressionist, doch dem Freien misstraute er und weigerte sich, Landschaften zu malen. Sein eigentliches Thema war der menschliche Körper in professioneller Bewegung: die Tänzerin an der Stange, der Jockey vor dem Rennen, die Kaffeehaussängerin mitten in einer Phrase, die Frau, die aus dem Bad steigt. Er kehrte zu diesen Motiven fünfzig Jahre lang mit einer unerbittlichen, fast klinischen Neugier zurück.

Das Markenzeichen seiner Komposition ist der asymmetrische Ausschnitt. Seine Figuren werden vom Bildrand beschnitten, als hätte eine Kamera sie aufgenommen — die Beine einer Tänzerin am Oberschenkel abgeschnitten, ein Pferdekopf links fehlend, ein Frauenrücken im rechten Vordergrund dominierend, während sich links unerwartet Raum öffnet. Er gehörte zu den ersten westlichen Malern, die japanische Holzschnitte systematisch studierten, und deren Einfluss auf seine Bildrahmung war entscheidend und unmittelbar.

Er war auch einer der großen Zeichner des neunzehnten Jahrhunderts. Seine technische Ausbildung war klassisch — er studierte bei Louis Lamothe, einem Ingres-Schüler, und verehrte Ingres selbst, dem er einmal als junger Mann begegnete. Ingres sagte ihm: 'Zeichne Linien, junger Mann, viele Linien.' Er hörte nie damit auf.

Seine Materialien veränderten sich, als sein Sehvermögen in den 1880er Jahren nachließ. Er wechselte zunehmend zu Pastell, das mit breiteren Strichen aufgetragen werden konnte und es ihm erlaubte, die Oberfläche wiederholt zu überarbeiten, ohne auf das Trocknen der Farbe warten zu müssen. Seine späten Pastelle — großformatig, leuchtend farbig, die Figuren fast abstrakt in ihrer Energie — gehören zu den kühnsten Werken der Epoche.

Vier Merkmale: der asymmetrische Ausschnitt, der Blick aus einem ungewöhnlichen Winkel (von oben, von der Seite, von hinten), der Körper in halber Bewegung im am wenigsten posierten Moment und eine kühle, etwas distanzierte Beobachtung, die Sentimentalität verweigert.

Leben und Vermächtnis

Degas wurde am 19. Juli 1834 in Paris geboren, als ältester Sohn eines Pariser Bankiers neapolitanischer Herkunft und einer kreolischen Mutter aus New Orleans. Die Familie war wohlhabend, gebildet und tief an Musik interessiert. Er studierte kurz Jura — dem Familienmodell folgend — und schrieb sich dann im Alter von zwanzig Jahren an der École des Beaux-Arts ein.

Er verbrachte drei Jahre in Italien zwischen 1856 und 1859 und studierte die Renaissancemeister in Florenz und Rom. Seine italienischen Notizbücher zeigen ihn beim sorgfältigen Kopieren von Mantegna, Raffael und Ghirlandaio. Er kehrte nach Paris zurück mit einer klassischen Grundlage, die er nie vollständig aufgab, auch als sein Zugang zu zeitgenössischen Themen radikaler wurde.

Er traf Manet 1862, als beide im Louvre einen Velázquez kopierten, und die Freundschaft — stachelig, wettbewerbsorientiert, gegenseitig kritisch — dauerte Jahrzehnte und war für beide Karrieren zentral. Manet drängte ihn zu zeitgenössischen städtischen Themen; Degas drängte Manet zu sorgfältigerem Zeichnen.

Sein Zugang zum Pariser Opernballett kam in den 1870er Jahren über eine familiäre Verbindung zu einem Abonnenten. Er wohnte Proben bei, bekam Zugang zu den Bühnenraumbereichen und schuf über tausend Werke — Gemälde, Zeichnungen, Pastelle, Skulpturen — zum Thema Ballett in den nächsten vierzig Jahren. Dieser Zugang war ungewöhnlich und sorgfältig gepflegt. Er verstand das Ballett nicht als Glamour, sondern als Institution mit eigener Hierarchie, Erschöpfung und körperlichem Preis.

Sein Sehvermögen begann Mitte der 1870er Jahre nachzulassen, wahrscheinlich infolge eines Leidens, das er sich während seines Dienstes im Deutsch-Französischen Krieg von 1870 zugezogen hatte. Anfang der 1890er Jahre war er fast blind. Er arbeitete weiterhin mit Pastell, modellierte Wachs und arbeitete mit Drucken — Techniken, bei denen der Verlust feiner Details weniger katastrophal war — bis um 1908.

Seine Persönlichkeit war berühmt schwierig. Er war während der Dreyfus-Affäre 1898 Antidreyfusard, was ihm viele Freundschaften kostete, darunter seine lange Verbindung zu Pissarro. Er war ungesellig, ätzend in seinen Urteilen und lebte ab seinen Vierzigern in wachsender Isolation allein. Er starb am 27. September 1917 in Paris im Alter von dreiundachtzig Jahren. Sein Atelierinhalt — darunter die 150 Wachsskulpturen, die posthum in Bronze gegossen wurden — wurde 1918 in vier Tagen versteigert und über die ganze Welt verstreut.

Fünf berühmte Gemälde

Die Tanzstunde 1874

Der Ballettmeister Jules Perrot steht rechts in einem Atelierraum, auf einen Stab gestützt, und beobachtet ein Mädchen in der Mitte beim Vorführen. Rund um den Raum — auf Bänken sitzend, Schleifen richtend, den Rücken kratzend, sich an der Stange dehnend — warten ein Dutzend andere Tänzerinnen auf ihre Reihe mit der spezifischen Unaufmerksamkeit von Menschen, die darauf warten, aufgerufen zu werden. Die Komposition ist um leeren Raum genauso organisiert wie um Figuren: Eine große Fläche nackten Holzbodens nimmt die Mitte ein. Niemand führt für den Betrachter vor. Degas wohnte diesen Proben bei und malte, was er wirklich sah: nicht die Aufführung, sondern ihre Vorbereitung. Es hängt im Musée d'Orsay.

Die Wanne 1886

Eine Frau kauert in einem flachen Metallbecken, den Rücken dem Betrachter zugewandt, und schwämmt sich den Nacken. Sie ist vollständig in den Waschvorgang vertieft — kein Bewusstsein, beobachtet zu werden. Der Blickwinkel ist von oben und leicht seitlich, als hätten wir den Raum unerwartet betreten. Die Komposition ist einer von Degas' radikal beschnittenen: Die Wanne verläuft diagonal über die Leinwand und den Körper der Frau, und ein Regal mit Toilettenartikeln oben bietet einen flachen, fast dekorativen oberen Abschnitt. Dieses Pastell wurde auf der letzten Impressionisten-Ausstellung 1886 gezeigt und von Kritikern als voyeuristisch bezeichnet. Es hängt im Musée d'Orsay.

Rosa Tänzerinnen 1885

Eine Gruppe von Tänzerinnen in rosa Tutus ist aus einem Winkel zu sehen, der mehrere von ihnen von hinten oder in Dreiviertelperspektive zeigt, mit erhobenen Armen oder beim Richten ihrer Kostüme. Das Licht ist das warme künstliche Licht der Bühne oder eines Ateliers. Degas verwendete für dieses Werk Pastell, das Medium, das zunehmend seinem nachlassenden Sehvermögen entsprach und es ihm erlaubte, Farbe in Schichten aufzubauen und die Oberfläche zu überarbeiten. Das Rosa der Tutus besteht aus mehreren Tönen — Rose, Lachs, Creme, blasses Orange —, die gegen das Blaugrau des Hintergrunds vibrieren. Der Ausschnitt schneidet zwei Figuren am Rand ab, als hätte eine Kamera die Szene erwischt.

Die Parade (Rennpferde) 1868

Jockeys zu Pferd vor einem Rennen — sie führen ihre Pferde in einer lockeren Gruppe über eine Landschaft aus blassgrünem Rasen unter einem hohen, hellen Himmel. Degas' Interesse an Pferden war genauso nachhaltig wie sein Interesse an Tänzerinnen: Beide waren Profiathletinnen, die innerhalb einer strengen institutionellen Struktur operierten, und er war fasziniert von der spezifischen Qualität ihrer kontrollierten Bewegung. In diesem Gemälde sind die Jockeys und Pferde horizontal in einem flachen Band über die Leinwand angeordnet, die Komposition direkt von japanischen Holzschnitten übernommen. Mehrere Pferde und Reiter werden vom Rahmen am linken und rechten Rand abgeschnitten. Es hängt im Musée d'Orsay.

Interieur (Die Vergewaltigung) 1869

Ein schwach beleuchtetes Schlafzimmer: Ein Mann steht nahe der Tür im Hintergrund; eine Frau sitzt in einem Stuhl im Vordergrund, zusammengesunken, die Schultern nackt. Zwischen ihnen eine brennende Lampe auf einem kleinen Tisch und ein Bett mit zerwühlten Laken. Der Titel 'Die Vergewaltigung' wurde dem Gemälde von späteren Gelehrten gegeben, nicht von Degas selbst, der es schlicht 'Interieur' nannte. Das Thema wurde mit einer Szene aus einem Zola-Roman identifiziert, doch das Gemälde ist genau wegen dessen, was es nicht zeigt, so kraftvoll. Die beiden Figuren schauen einander nicht an. Etwas ist geschehen. Die Beweise liegen im Raum. Degas stellte oder verkaufte das Gemälde zu seinen Lebzeiten nie; es befindet sich jetzt im Philadelphia Museum of Art.