Edgar Degas

Stile e tecnica

Degas è chiamato un Impressionista ma diffidava dell'esterno e si rifiutava di dipingere paesaggi. Il suo vero soggetto era il corpo umano in movimento professionale: la ballerina alla sbarra, il fantino prima della gara, la cantante da caffè a metà frase, la donna che esce dal bagno. Tornò a questi soggetti per cinquant'anni con una curiosità implacabile, quasi clinica.

La firma della sua composizione è il taglio asimmetrico. Le sue figure sono tagliate dal bordo della tela come se fossero state catturate da una macchina fotografica — le gambe di una ballerina tagliate alla coscia, la testa di un cavallo mancante a sinistra, la schiena di una donna che domina il primo piano destro mentre lo spazio si apre inaspettatamente a sinistra. Fu tra i primi pittori occidentali a studiare sistematicamente le stampe xilografiche giapponesi, e la loro influenza sul suo inquadratura fu decisiva e immediata.

Fu anche uno dei grandi disegnatori del XIX secolo. La sua formazione tecnica era classica — studiò sotto Louis Lamothe, seguace di Ingres, e venerava Ingres stesso, che incontrò una volta da giovane. Ingres gli disse di 'disegnare linee, giovane, molte linee'. Non smise mai.

I suoi materiali cambiarono man mano che la vista gli veniva meno negli anni Ottanta. Si spostò progressivamente verso il pastello, che poteva essere applicato con pennellate più ampie e consentiva di rielaborare la superficie ripetutamente senza attendere che la pittura si asciugasse. I suoi pastelli tardi — grande formato, colori brillanti, le figure quasi astratte nella loro energia — sono tra le opere più audaci del periodo.

Quattro impronte digitali: il taglio asimmetrico, la veduta da un angolo insolito (dall'alto, di lato, da dietro), il corpo a metà movimento catturato nel suo momento meno in posa, e un'osservazione fredda, alquanto distaccata che rifiuta il sentimentalismo.

Vita ed eredità

Degas nacque il 19 luglio 1834 a Parigi, figlio maggiore di un banchiere parigino di origine napoletana e di una madre creola di New Orleans. La famiglia era prospera, colta e profondamente interessata alla musica. Studiò brevemente legge — il modello familiare — e poi si iscrisse all'École des Beaux-Arts a vent'anni.

Trascorse tre anni in Italia tra il 1856 e il 1859, studiando i maestri del Rinascimento a Firenze e Roma. I suoi taccuini italiani mostrano che copiava Mantegna, Raffaello e Ghirlandaio con grande cura. Tornò a Parigi con una base classica che non abbandonò mai completamente, anche mentre il suo approccio ai soggetti contemporanei diventava più radicale.

Incontrò Manet nel 1862 mentre entrambi stavano copiando un Velázquez al Louvre, e l'amicizia — pungente, competitiva, mutuamente critica — durò per decenni ed era centrale per entrambe le loro carriere. Manet lo spinse verso i soggetti urbani contemporanei; Degas spinse Manet verso un disegno più attento.

Il suo accesso al Balletto dell'Opéra di Parigi venne attraverso una connessione familiare con un abbonato negli anni Settanta. Assistette alle prove, ebbe accesso alle aree dietro le quinte, e produsse oltre mille opere — dipinti, disegni, pastelli, sculture — legate al balletto nei quarant'anni successivi. Questo accesso era insolito e attentamente mantenuto. Capiva il balletto non come glamour ma come istituzione con la propria gerarchia, stanchezza e costo fisico.

La sua vista cominciò a venire meno a metà degli anni Settanta, probabilmente per una condizione contratta durante il servizio nella guerra franco-prussiana del 1870. All'inizio degli anni Novanta era quasi cieco. Continuò a lavorare con il pastello, modellando la cera e lavorando con le stampe — tecniche in cui la perdita del dettaglio fine era meno catastrofica — fino al 1908 circa.

La sua personalità era notoriamente difficile. Era anti-Dreyfus durante l'affaire del 1898, il che gli costò molte amicizie, inclusa la lunga associazione con Pissarro. Era asociale, caustico nei giudizi, e visse da solo dai quarant'anni in poi in crescente isolamento. Morì il 27 settembre 1917 a Parigi, all'età di ottantatré anni. Il contenuto del suo studio — comprese le 150 sculture in cera che furono postume gettate in bronzo — fu messo all'asta in quattro giorni nel 1918 e disperso in tutto il mondo.

Cinque dipinti famosi

La classe di danza 1874

Il maestro di balletto Jules Perrot è in piedi a destra di una stanza-studio, appoggiato a un bastone, a guardare una ragazza al centro che esegue. Intorno alla stanza — sedute sulle panche, sistemandosi i nastri, grattandosi la schiena, stirandosi alla sbarra — una dozzina di altre ballerine aspettano il loro turno con la specifica disattenzione delle persone che aspettano di essere chiamate. La composizione è organizzata attorno allo spazio vuoto tanto quanto alle figure: un'ampia area di nudo pavimento in legno occupa il centro. Nessuno si esibisce per lo spettatore. Degas assisteva a queste prove e dipingeva ciò che vedeva davvero: non la performance ma la sua preparazione. È esposto al Musée d'Orsay.

La tinozza 1886

Una donna si accovaccia in una bassa tinozza di metallo, la schiena verso lo spettatore, e si spugna il collo. È completamente assorta nell'atto del lavarsi — non c'è consapevolezza di essere osservata. Il punto di vista è dall'alto e leggermente di lato, come se fossimo entrati inaspettatamente nella stanza. La composizione è uno dei tagli più radicali di Degas: la tinozza attraversa diagonalmente la tela e il corpo della donna, e uno scaffale di oggetti da toelette in alto fornisce una sezione superiore piatta, quasi decorativa. Questo pastello fu esposto alla mostra impressionista finale del 1886 e i critici lo descrissero come voyeuristico. È esposto al Musée d'Orsay.

Ballerine in rosa 1885

Un gruppo di ballerine in tutù rosa è visto da un'angolazione che mostra alcune di loro da dietro o in tre quarti di profilo, con le braccia alzate o mentre sistemano i costumi. La luce è la calda luce artificiale del palcoscenico o di uno studio. Degas usò il pastello per quest'opera, il mezzo che si adattava sempre di più alla sua vista calante e gli permetteva di costruire il colore a strati e rielaborare la superficie. Il rosa dei tutù è costruito da molteplici tonalità — rosa, salmone, crema, arancione pallido — che vibrano contro il grigio-azzurro dello sfondo. Il taglio taglia due figure al bordo, come se una macchina fotografica avesse catturato la scena.

La parata (Cavalli da corsa) 1868

Fantini a cavallo prima di una gara — che portano i cavalli in un gruppo sciolto attraverso un paesaggio di verde prato sotto un alto, luminoso cielo. L'interesse di Degas per i cavalli era tanto sostenuto quanto il suo interesse per le ballerine: erano entrambi atleti professionisti che operavano all'interno di una rigorosa struttura istituzionale, e lui era affascinato dalla qualità specifica del loro movimento controllato. In questo dipinto i fantini e i cavalli sono disposti orizzontalmente attraverso la tela in una fascia poco profonda, la composizione presa direttamente dalle stampe xilografiche giapponesi. Diversi cavalli e cavalieri sono tagliati dalla cornice ai bordi sinistro e destro. È esposto al Musée d'Orsay.

Interno (Lo stupro) 1869

Una camera da letto debolmente illuminata: un uomo è in piedi vicino alla porta in fondo; una donna siede accasciata su una sedia in primo piano, le spalle nude. Tra loro, una lampada accesa su un piccolo tavolo e un letto con lenzuola sgualcite. Il titolo 'Lo stupro' fu dato al dipinto da studiosi successivi piuttosto che da Degas stesso, che lo chiamò semplicemente 'Interno'. Il soggetto è stato identificato con una scena di un romanzo di Zola, ma il dipinto è potente precisamente per quello che non mostra. Le due figure non si guardano. Qualcosa è successo. Le prove sono nella stanza. Degas non espose né vendette mai il dipinto durante la sua vita; si trova ora al Philadelphia Museum of Art.