Edgar Degas

Style et technique

Degas est appelé impressionniste, mais il se méfiait du plein air et refusait de peindre des paysages. Son véritable sujet était le corps humain en mouvement professionnel : la danseuse à la barre, le jockey avant la course, la chanteuse de café à mi-phrase, la femme sortant du bain. Il revint à ces sujets pendant cinquante ans avec une curiosité implacable, presque clinique.

La signature de sa composition est le cadrage asymétrique. Ses figures sont coupées par le bord de la toile comme si une caméra les avait saisies — les jambes d'une danseuse tranchées à la cuisse, la tête d'un cheval manquante à gauche, le dos d'une femme dominant le premier plan droit tandis que l'espace s'ouvre inopinément à gauche. Il fut parmi les premiers peintres occidentaux à étudier systématiquement les estampes japonaises sur bois, et leur influence sur son cadrage fut décisive et immédiate.

Il fut aussi l'un des grands dessinateurs du XIXe siècle. Sa formation technique était classique — il étudia sous Louis Lamothe, disciple d'Ingres, et vénérait Ingres lui-même, qu'il rencontra une fois étant jeune. Ingres lui dit de « tracer des lignes, jeune homme, de nombreuses lignes ». Il ne s'arrêta jamais.

Ses matériaux changèrent à mesure que sa vue déclina dans les années 1880. Il se tourna de plus en plus vers le pastel, qui pouvait s'appliquer en touches plus larges et lui permettait de retravailler la surface à plusieurs reprises sans attendre le séchage de la peinture. Ses pastels tardifs — grand format, couleurs éclatantes, les figures presque abstraites dans leur énergie — comptent parmi les œuvres les plus audacieuses de la période.

Quatre empreintes : le cadrage asymétrique, la vue depuis un angle inhabituel (d'en haut, de côté, de dos), le corps saisi à mi-mouvement dans son moment le moins posé, et une observation froide, quelque peu détachée qui refuse tout sentimentalisme.

Vie et héritage

Degas naquit le 19 juillet 1834 à Paris, aîné d'un banquier parisien d'origine napolitaine et d'une mère créole de La Nouvelle-Orléans. La famille était prospère, cultivée et profondément attachée à la musique. Il étudia brièvement le droit — le schéma familial — puis s'inscrivit à l'École des Beaux-Arts à vingt ans.

Il passa trois ans en Italie entre 1856 et 1859, étudiant les maîtres de la Renaissance à Florence et à Rome. Ses carnets italiens le montrent copiant Mantegna, Raphaël et Ghirlandaio avec grand soin. Il revint à Paris avec un socle classique qu'il n'abandonna jamais entièrement, même lorsque son approche des sujets contemporains devint plus radicale.

Il rencontra Manet en 1862 alors que tous deux copiaient un Vélasquez au Louvre, et cette amitié — épineuse, compétitive, mutuellement critique — dura des décennies et fut centrale pour leurs deux carrières. Manet le poussa vers les sujets urbains contemporains ; Degas poussa Manet vers un dessin plus rigoureux.

Son accès au Ballet de l'Opéra de Paris lui vint par une relation familiale avec un abonné dans les années 1870. Il assista aux répétitions, obtint l'accès aux coulisses, et produisit plus d'un millier d'œuvres — peintures, dessins, pastels, sculptures — liées au ballet au cours des quarante années suivantes. Cet accès était inhabituel et soigneusement entretenu. Il comprenait le ballet non comme du glamour mais comme une institution avec sa propre hiérarchie, sa fatigue et son coût physique.

Sa vue commença à décliner au milieu des années 1870, probablement en raison d'une affection contractée lors de son service dans la guerre franco-prussienne de 1870. Au début des années 1890, il était presque aveugle. Il continua à travailler au pastel, à modeler la cire et à travailler les estampes — des techniques pour lesquelles la perte du détail fin était moins catastrophique — jusqu'aux environs de 1908.

Sa personnalité était notoirement difficile. Il se montra antidreyfusard lors de l'Affaire de 1898, ce qui lui coûta de nombreuses amitiés, dont sa longue association avec Pissarro. Il était asocial, caustique dans ses jugements, et vécut seul à partir de la quarantaine dans un isolement croissant. Il mourut le 27 septembre 1917 à Paris, à quatre-vingt-trois ans. Le contenu de son atelier — dont les 150 sculptures en cire qui furent fondues en bronze à titre posthume — fut mis aux enchères sur quatre jours en 1918 et dispersé dans le monde entier.

Cinq tableaux célèbres

La Classe de danse 1874

Le maître de ballet Jules Perrot se tient à droite d'une salle de studio, appuyé sur un bâton, observant une jeune fille qui exécute un exercice au centre. Tout autour de la salle — assises sur des bancs, ajustant des rubans, se grattant le dos, s'étirant à la barre — une douzaine de danseuses attendent leur tour avec la distraction caractéristique des gens qui attendent d'être appelés. La composition s'organise autour de l'espace vide autant que des figures : une grande étendue de plancher nu occupe le centre. Personne ne joue pour le spectateur. Degas assistait à ces répétitions et peignait ce qu'il voyait vraiment : non la représentation, mais sa préparation. Il est au musée d'Orsay.

Le Tub 1886

Une femme se penche dans une baignoire de métal peu profonde, le dos tourné au spectateur, et s'éponge la nuque. Elle est entièrement absorbée dans l'acte de se laver — aucune conscience d'être observée. Le point de vue est d'en haut et légèrement de côté, comme si nous étions entrés dans la pièce par surprise. La composition est l'un des cadrages les plus radicaux de Degas : la baignoire traverse diagonalement la toile et le corps de la femme, et une étagère d'objets de toilette en haut fournit une section supérieure plate, presque décorative. Ce pastel fut montré à la dernière exposition impressionniste de 1886 et décrit par les critiques comme voyeuriste. Il est au musée d'Orsay.

Danseuses en rose 1885

Un groupe de danseuses en tutus roses est vu depuis un angle qui en montre plusieurs de dos ou de trois quarts, les bras levés ou ajustant leurs costumes. La lumière est la chaude lumière artificielle de la scène ou d'un studio. Degas utilisa le pastel pour cette œuvre, le médium qui convenait de plus en plus à sa vue défaillante et lui permettait de construire la couleur par couches et de retravailler la surface. Le rose des tutus est construit à partir de plusieurs teintes — rose, saumon, crème, orange pâle — qui vibrent contre le gris-bleu du fond. Le cadrage coupe deux figures au bord, comme si une caméra avait saisi la scène.

Le Défilé (Chevaux de course) 1868

Des jockeys à cheval avant une course — promenant leurs montures en groupe dispersé sur un paysage de gazon vert pâle sous un ciel haut et lumineux. L'intérêt de Degas pour les chevaux était aussi soutenu que son intérêt pour les danseuses : c'étaient tous deux des athlètes professionnels opérant dans une structure institutionnelle stricte, et il était fasciné par la qualité spécifique de leur mouvement contrôlé. Dans ce tableau, les jockeys et les chevaux sont disposés horizontalement en une bande peu profonde sur la toile, la composition empruntée directement aux estampes japonaises sur bois. Plusieurs chevaux et cavaliers sont coupés par le cadre aux bords gauche et droit. Il est au musée d'Orsay.

Intérieur (Le Viol) 1869

Une chambre faiblement éclairée : un homme se tient près de la porte au fond ; une femme est affaissée dans un fauteuil au premier plan, les épaules nues. Entre eux, une lampe allumée sur une petite table et un lit aux draps froissés. Le titre *Le Viol* fut donné au tableau par des érudits ultérieurs et non par Degas lui-même, qui l'appelait simplement *Intérieur*. Le sujet a été identifié à une scène d'un roman de Zola, mais le tableau est puissant précisément pour ce qu'il ne montre pas. Les deux figures ne se regardent pas. Quelque chose s'est passé. Les preuves sont dans la pièce. Degas n'exposa ni ne vendit jamais le tableau de son vivant ; il se trouve aujourd'hui au Philadelphia Museum of Art.