Umberto Boccioni

Style et technique

Boccioni était le peintre le plus doué du mouvement futuriste italien et son théoricien le plus rigoureux. Alors que les autres futuristes — Marinetti, Severini, Russolo — étaient essentiellement des propagandistes ou des décorateurs, Boccioni tentait de résoudre un véritable problème formel : comment peindre la force, la durée et le mouvement dans un médium qui ne peut montrer qu'un seul moment.

Sa solution a été d'emprunter les points de vue multiples du cubisme et de les combiner avec la théorie des couleurs divisionniste de sa formation italienne. Dans le triptyque « États d'âme » (1911–1912), il a montré les états intérieurs des figures — ceux qui quittaient un train, ceux qui restaient, ceux qui demeuraient — comme des champs visuels de force émotionnelle : diagonales de mouvement, lignes ondulantes d'anxiété, plans denses superposés de sensation. Les peintures ne sont pas des images de mouvement mais des images du sentiment du mouvement et de la séparation.

Le vocabulaire futuriste qu'il a aidé à développer comprenait plusieurs stratégies formelles distinctives : lignes de force (flèches et diagonales indiquant la direction et l'énergie du mouvement), simultanéité (la représentation de moments consécutifs dans une seule image), et l'interpénétration des formes (les objets solides saignant dans leurs alentours de la manière qu'un objet en mouvement laisse des traînées).

Quatre empreintes digitales : les lignes diagonales de force coupant le canevas, l'interpénétration de la figure et du fond de sorte que les limites des objets se dissolvent dans leurs alentours, la couleur chaude et saturée utilisée comme indicateur émotionnel plutôt que comme descripteur, et un sujet spécifique — villes industrielles, foules, chevaux, l'énergie physique de la vie urbaine moderne.

Vie et héritage

Boccioni est né le 19 octobre 1882 à Reggio Calabria, à la pointe sud de l'Italie, et a passé son enfance à se déplacer entre plusieurs villes du sud de l'Italie alors que son père, un petit fonctionnaire civil, était muté entre les postes. Il est arrivé à Rome à dix-sept ans et a commencé à étudier l'art officieusement, puis s'est inscrit à la Scuola Libera del Nudo et a rejoint l'atelier de Giacomo Balla — un peintre établi qui l'a présenté au divisionnisme et aux théories des couleurs de Chevreul.

Il a voyagé à Paris en 1906 et a rencontré directement le cubisme et l'avant-garde internationale. Il s'est installé à Milan en 1907, la ville qui définirait son sujet artistique mature : industrielle, bruyante, rapide, la ville la plus moderne d'Italie. Les émeutes et les protestations de travailleurs qui convulsaient périodiquement la ville sont devenus son matériel visuel.

En 1909, il a rencontré Filippo Tommaso Marinetti, qui venait de publier le Manifeste futuriste dans Le Figaro. Boccioni a été immédiatement recruté, et en un an, il était devenu l'artiste visuel le plus important du mouvement, co-signant le « Manifeste technique de la peinture futuriste » en 1910 et dirigeant le développement pratique d'un style de peinture futuriste.

Le problème était que les premières peintures futuristes — la série « États d'âme » de 1911, « La Ville qui se lève », les scènes de rue — n'étaient pas encore techniquement adéquates à leurs ambitions déclarées. Boccioni a voyagé à Paris en 1911 et a rencontré le cubisme directement pour la première fois. Il est retourné à Milan et a repeint la série « États d'âme » à partir de zéro, maintenant avec le vocabulaire cubiste des points de vue multiples simultanés correctement absorbé.

Les deuxième versions du triptyque « États d'âme » sont parmi les œuvres clés de l'avant-garde européenne entre 1911 et l'éclatement de la guerre : analyse cubiste combinée à l'intensité émotionnelle futuriste, les points de vue multiples utilisés non pour décrire un objet sous différents angles mais pour représenter l'expérience subjective du départ, de l'attente et du retour.

Il s'est enrôlé avec enthousiasme quand l'Italie est entrée dans la Première Guerre mondiale en 1915 — le futurisme avait toujours célébré la violence et l'énergie nationale — et a été posté à une unité d'artillerie. Il est tombé d'un cheval lors d'un exercice d'entraînement près de Vérone et est décédé de ses blessures le 17 août 1916, à l'âge de trente-trois ans. La perte a interrompu le développement du futurisme à son point le plus productif.

Cinq tableaux célèbres

La Ville qui se lève 1910

Le premier grand canevas futuriste de Boccioni — 199 par 301 centimètres — et l'œuvre qui a annoncé son ambition. Un grand cheval rouge et orange s'élance vers l'avant, entouré de travailleurs qui saisissent ses rênes et son harnais. Derrière eux, la construction d'une ville industrielle moderne s'élève en diagonales d'échafaudages et de fumée. Les figures et le cheval se fondent l'un dans l'autre ; le fond pénètre le premier plan. L'échelle et l'énergie du tableau sont délibérément écrasantes — Boccioni voulait que le spectateur se sente physiquement emporté. Il se trouve au Museum of Modern Art à New York.

États d'âme I : Ceux qui vont 1911

Le panneau central du triptyque « États d'âme », la deuxième version repeinte après que Boccioni ait rencontré le cubisme à Paris. Une foule de figures à une gare est rendue comme une diagonale balayée de formes superposées — visages, chapeaux, mains, les barres d'une voiture de chemin de fer — se déplaçant de droite à gauche. La couleur dominante est gris-vert ; les formes s'interpénètrent et s'estompent. Le tableau concerne la sensation du départ, l'état psychique spécifique de partir — non pas le fait du train ou de la gare mais la sensation de s'éloigner de ce qui est connu vers ce qui ne l'est pas. Les trois panneaux sont au Museum of Modern Art à New York.

Élasticité 1912

Un cheval et un cavalier en mouvement, le mouvement rendu par des plans superposés et des lignes diagonales de force. Les jambes du cheval se multiplient dans la série de positions qu'elles traversent ; la forme du cavalier s'écho et se répète. L'analyse cubiste est appliquée non pour décrire le cheval sous des points de vue multiples simultanément mais pour représenter la durée de son mouvement — toutes les positions que l'animal occupe dans un bref laps de temps, comprimées en une seule image. La palette — ocre chaud, vert, marron, bleu profond — est plus contenue que « La Ville qui se lève », l'organisation spatiale plus complexe. Elle se trouve à la Pinacothèque de Brera à Milan.

Dynamisme d'un cycliste 1913

Un canevas tardif du sommet de son style mature. Un cycliste — à peine visible en tant que figure ; résolu en un motif de plans superposés et de lignes de force — se déplace sur le canevas dans une rapide diagonale. La roue, les jambes, le corps, la surface de la route s'interpénètrent tous. La composition est organisée autour d'une absence : l'élément le plus dynamique de l'image est l'espace vide devant le mouvement du cycliste. Boccioni peint non le cycliste mais le mouvement, et le mouvement est dans l'espace devant le corps qui se déplace autant que dans le corps lui-même. Elle se trouve dans la Collection Peggy Guggenheim à Venise.

La Rue entre dans la maison 1911

Une femme en rouge s'appuie sur une rambarde de balcon ; en dessous et autour d'elle, la rue et les bâtiments d'une ville moderne pressent. Le titre décrit la stratégie formelle du tableau : la séparation entre l'intérieur (le domestique) et l'extérieur (l'urbain) a été dissoute — le bruit, la couleur, le mouvement et l'énergie de la rue s'écoulent à travers la rambarde du balcon et remplissent le tableau. Travailleurs, cheval, échafaudages, autres bâtiments pressent tous vers l'avant avec égale urgence. C'était l'argument spécifique de Boccioni sur la vie urbaine moderne : les catégories de public et privé, intérieur et extérieur, ne tenaient plus. Elle se trouve au Kunstmuseum Hannover.