Cy Twombly

Stile e tecnica

I dipinti di Twombly operano in uno spazio tra scrittura e disegno, tra gesto e simbolo, tra il leggibile e il puramente visivo. Le sue superfici sono coperte di segni che sembrano scrittura ma di solito non lo sono, numeri che sembrano contare qualcosa ma non lo fanno, anelli e scarabocchi ed erasure e ridipinture che danno l'impressione di una mente che sta elaborando qualcosa — non il risultato finito del pensiero ma il processo stesso.

I dipinti caratteristici precoci — le opere su fondo grigio della fine degli anni Sessanta — hanno una qualità visiva specifica che nessun altro pittore aveva raggiunto: la superficie lavagna grigia, su cui si svolgono scarabocchi a matita e a pastello, ha l'aspetto di esercizi scolastici e simultaneamente di iscrizioni antiche. I segni sembrano insieme infantili e arcaici, insieme casuali e deliberati.

I suoi riferimenti sono costantemente classici: i titoli evocano Omero, Virgilio, Catullo, le battaglie della Guerra di Troia, i miti di Ovidio, la geografia mediterranea. Ma i dipinti non sono illustrazioni di questi riferimenti; il mondo classico funziona come un registro emotivo, un insieme di associazioni che conferisce peso ai segni senza prescriverne il significato. Uno scarabocchio su pittura grigia significa qualcosa di diverso se la tela si chiama 'Achille in lutto per la morte di Patroclo' rispetto a se non ha titolo.

Quattro impronte digitali: segni a matita o pastello graffiati su fondi dipinti che sembrano simultaneamente scrittura e gesto puro, titoli e riferimenti classici che forniscono contesto emotivo senza determinare il significato, superfici stratificate di più applicazioni di pittura — erasura, ridipintura, sfumatura — che conferiscono alla tela la qualità di un sito di scavo, e grande scala che rende i segni alla scala del corpo, come se fossero scritti da qualcuno in piedi piuttosto che seduto.

Vita ed eredità

Twombly nacque il 25 aprile 1928 a Lexington, Virginia, dove il padre era un giocatore di baseball professionista che in seguito divenne allenatore alla Washington and Lee University. Mostrò abilità artistica precocemente e cominciò a studiare pittura alla fine degli anni Quaranta, arrivando infine all'Art Students League di New York e poi al Black Mountain College in North Carolina.

Black Mountain fu l'esperienza educativa decisiva. Vi arrivò nel 1951 e incontrò Robert Rauschenberg, che divenne un caro amico e compagno di viaggio. Franz Kline e Ben Shahn vi insegnavano; l'atmosfera era sperimentale e anti-tradizionale. Twombly aveva anche accesso alla straordinaria biblioteca del college, dove cominciarono i riferimenti classici — la lettura di poesia greca e latina in traduzione.

Lui e Rauschenberg viaggiarono insieme in Europa e in Nord Africa nel 1952–1953, e il contatto con Roma — le sue superfici accumulate, le sue texture, la sua luce — lasciò un'impronta immediata sul suo lavoro. Tornò a New York ma trovò l'atmosfera del mondo dell'arte sempre più ostile a ciò che stava facendo: il gesto che sembrava troppo casuale, la superficie che sembrava troppo incompiuta, i riferimenti che sembravano troppo letterari.

Nel 1957 si trasferì permanentemente a Roma, la decisione singola più consequenziale della sua carriera. Roma gli diede distanza dal mondo dell'arte newyorkese e un ambiente fisico la cui storia accumulata era direttamente leggibile nelle sue superfici. Avrebbe trascorso il resto della vita principalmente in Italia.

La sua reputazione americana oscillò negli anni Sessanta e Settanta — rispettata ma non pienamente compresa, più facile da apprezzare in Europa che a New York. I dipinti su lavagna grigia del 1966–1971 erano particolarmente divisivi: sembravano o la pittura più sofisticata che si stesse realizzando, oppure niente di tutto ciò, a seconda di cosa si stava cercando.

L'opera tarda — i grandi dipinti a colori, la serie 'Quattro Stagioni', i dipinti delle rose — è più calda e apertamente bella delle opere grigie, e trovò un pubblico più ampio. Negli anni Novanta era ampiamente considerato uno dei pittori più importanti della sua generazione.

Cinque dipinti famosi

Leda e il cigno 1962

Un dipinto del periodo in cui stava sviluppando il suo approccio più radicale al mito classico. Una grande tela bianca ricoperta di segni graffiati — tratti di pastello rosso-rosa che sembrano mettere in atto qualcosa di simultaneamente sessuale e violento, un groviglio di gesti che è insieme astratto e oscuramente narrativo. Il titolo specifica il mito — Zeus come cigno, Leda come vittima — ma il dipinto non lo illustra; invece fa portare alla superficie la forza emotiva e fisica del mito in termini puramente gestuali. I segni rossi sul bianco hanno la qualità di tracce, di qualcosa che è accaduto e ha lasciato il suo registro. Si trova al Museum of Modern Art di New York.

Lavagna 1968

Una delle opere chiave della serie grigia — una grande tela dipinta di grigio ricoperta di linee a matita in continue curve ritmiche da sinistra a destra, fila dopo fila. Gli anelli non sono perfettamente regolari; ognuno varia leggermente in scala e pressione, e l'effetto cumulativo è sia meditativo che leggermente ipnotico. I dipinti 'Lavagna' furono fraintesi alla prima apparizione come meramente decorativi o infantili, ma ripagano l'attenzione prolungata: la coerenza del segno, il modo in cui gli anelli si accumulano senza risolversi in una composizione, il fondo grigio che assorbe piuttosto che riflettere la luce. Sono tra le opere formalmente più rigorose che abbia realizzato.

Achille in lutto per la morte di Patroclo 1962

Una grande tela — quasi quattro metri di larghezza — ricoperta di scarabocchi neri, macchie e frammenti di testo su un fondo grigio-crema. La scena evocata dal titolo è il culmine emotivo dell'Iliade: Achille, apprendendo della morte di Patroclo, il suo compagno più caro, urla di dolore. Il dipinto non raffigura questo urlo; mette in atto qualcosa di analogo — i segni sono violenti, grezzi, spezzati, che si incrociano e si sovrappongono senza risoluzione. La pittura rossa è spalmata in un'area. Le parole e i numeri che appaiono non sono narrativa leggibile; sono segni di pensiero sopraffatto dal sentimento. Il dipinto si trova nella Cy Twombly Gallery alla Menil Collection di Houston.

Cinquanta giorni a Iliam: le ombre della notte eterna 1978

Una delle dieci tele che compongono la serie 'Cinquanta giorni a Iliam' — un'importante opera tarda che prende l'Iliade come soggetto e distribuisce episodi attraverso la sequenza di tele. Questo pannello è dominato da pigmento scuro e segni pesanti, vorticosi — l'oscurità del campo di battaglia, le ombre degli Inferi, la metafora omerica della morte come notte eterna. La scala è grande; la superficie è lavorata con un'intensità insolita nel suo lavoro maturo. La serie nel suo insieme è il suo impegno più sostenuto con l'epica classica, e questo pannello è il suo momento più oscuro. L'intera serie si trova al Philadelphia Museum of Art.

Quattro Stagioni 1993

Una serie di quattro grandi tele che rappresentano le quattro stagioni — questa è una delle opere più ricche di colore e visivamente opulente che abbia realizzato. Le tele usano pittura ad olio applicata in segni gestuali pesanti di giallo, verde, rosso e grigio, con parole e numeri graffiati attraverso la pittura. La struttura in quattro parti permette a ciascuna stagione il suo distinto registro emotivo: la tela della primavera è luminosa e verde, l'estate calda e dorata, l'autunno caldo e pesante, l'inverno grigio e immobile. La serie fu acquisita dalla Tate Modern di Londra ed è tra le opere più celebrate della sua carriera tarda.