Cy Twombly

Stil und Technik

Twomblys Gemälde bewegen sich in einem Raum zwischen Schreiben und Zeichnen, zwischen Geste und Symbol, zwischen dem Lesbaren und dem rein Visuellen. Seine Oberflächen sind bedeckt mit Zeichen, die wie Handschrift aussehen, es aber meistens nicht sind; Zahlen, die etwas zu zählen scheinen, es aber nicht tun; Schleifen, Gekritzel, Rasuren und Übermalungen, die den Eindruck eines Geistes erwecken, der sich durch etwas arbeitet — nicht das fertige Ergebnis des Denkens, sondern den Prozess selbst.

Die charakteristischsten frühen Gemälde — die Graugrundwerke der späten 1960er Jahre — besitzen eine spezifische visuelle Qualität, die kein anderer Maler je erreicht hatte: die graue Tafeloberfläche, über die Bleistift- und Wachsmalstiftkritzeleien sich winden und wiederholen, hat das Aussehen von Schulübungen und gleichzeitig von antiken Inschriften. Die Zeichen wirken gleichzeitig kindlich und archaisch, gleichzeitig beiläufig und bewusst.

Seine Bezüge sind durchgehend klassisch: Die Titel beschwören Homer, Vergil, Catull, die Schlachten des Trojanischen Krieges, die Mythen Ovids, mediterrane Geografie. Doch die Gemälde sind keine Illustrationen dieser Bezüge; die klassische Welt funktioniert als emotionales Register, als Ensemble von Assoziationen, das den Zeichen ihr Gewicht verleiht, ohne ihre Bedeutung festzulegen. Ein Gekritzel über grauer Farbe bedeutet etwas anderes, wenn die Leinwand 'Achilles trauert um den Tod des Patroklos' heißt, als wenn sie gar keinen Titel hat.

Vier Merkmale: gekritzelte Bleistift- oder Wachsmalstiftzeichen über gestrichenen Gründen, die gleichzeitig wie Handschrift und reiner Gestus wirken; klassische Titel und Verweise, die emotionalen Kontext liefern, ohne Bedeutung zu bestimmen; geschichtete Oberflächen aus mehreren Farbaufträgen — Rasur, Übermalung, Verwischung —, die der Leinwand die Qualität einer Ausgrabungsstätte verleihen; und großes Format, das die Zeichen körpermaßstäblich macht, als wären sie von jemandem im Stehen geschrieben worden.

Leben und Vermächtnis

Twombly wurde am 25. April 1928 in Lexington, Virginia, geboren, wo sein Vater professioneller Baseballspieler war, der später Trainer an der Washington and Lee University wurde. Er zeigte früh künstlerisches Talent und begann Ende der 1940er Jahre, Malerei zu studieren, gelangte schließlich an die Art Students League in New York und dann ans Black Mountain College in North Carolina.

Black Mountain war das entscheidende Bildungserlebnis. Er kam 1951 dorthin und lernte Robert Rauschenberg kennen, der ein enger Freund und Reisegefährte wurde. Franz Kline und Ben Shahn lehrten dort; die Atmosphäre war experimentell und anti-traditionell. Twombly hatte auch Zugang zur außergewöhnlichen Bibliothek des Colleges, wo die klassischen Bezüge — die Lektüre griechischer und lateinischer Dichtung in Übersetzung — begannen.

Er und Rauschenberg reisten 1952–1953 gemeinsam durch Europa und Nordafrika, und der Kontakt mit Rom — seinen angehäuften Oberflächen, seinen Texturen, seinem Licht — hinterließ sofort Spuren in seiner Arbeit. Er kehrte nach New York zurück, fand die Kunstweltatmosphäre aber zunehmend feindlich gegenüber dem, was er tat: die Geste, die zu beiläufig wirkte, die Oberfläche, die zu unfertig schien, die Bezüge, die zu literarisch erschienen.

1957 zog er dauerhaft nach Rom — die folgenreichste Einzelentscheidung seiner Laufbahn. Rom gab ihm Distanz zur New Yorker Kunstwelt und eine physische Umgebung, deren angehäufte Geschichte in ihren Oberflächen direkt ablesbar war. Den Rest seines Lebens verbrachte er hauptsächlich in Italien.

Sein amerikanisches Ansehen schwankte in den 1960er und 1970er Jahren — respektiert, aber nicht vollständig verstanden, leichter in Europa als in New York zu würdigen. Die grauen Tafelgemälde von 1966–1971 waren besonders umstritten: Sie sahen entweder nach der anspruchsvollsten damals entstehenden Malerei aus oder nach gar nichts, je nachdem, was man suchte.

Das Spätwerk — die großen Farbgemälde, die Serie 'Quattro Stagioni', die Rosenbilder — ist wärmer und offensichtlicher schön als die grauen Werke und fand ein breiteres Publikum. In den 1990er Jahren galt er weithin als einer der bedeutendsten Maler seiner Generation.

Fünf berühmte Gemälde

Leda und der Schwan 1962

Ein Gemälde aus der Periode, in der er seinen radikalsten Zugang zum klassischen Mythos entwickelte. Eine große weiße Leinwand, bedeckt mit gekritzelten Zeichen — schlingernden, rotrosafarbenen Wachsmalstiftstrichen, die gleichzeitig etwas Sexuelles und Gewaltsames zu vollziehen scheinen, ein Gewirr von Gesten, das zugleich abstrakt und dunkel narrativ ist. Der Titel benennt den Mythos — Zeus als Schwan, Leda als Opfer —, doch das Gemälde illustriert ihn nicht; stattdessen lässt es die Oberfläche die emotionale und physische Kraft des Mythos in rein gesturalen Begriffen tragen. Die roten Zeichen auf Weiß haben die Qualität von Spuren, von etwas, das geschehen ist und seinen Abdruck hinterlassen hat. Es befindet sich im Museum of Modern Art in New York.

Tafel 1968

Eines der Schlüsselwerke der grauen Serie — eine große, grau bemalte Leinwand, bedeckt mit Bleistiftlinien in kontinuierlichen, rhythmischen Kurven von links nach rechts, Reihe für Reihe. Die Schleifen sind nicht vollkommen gleichmäßig; jede variiert leicht in Größe und Druck, und der kumulative Effekt ist sowohl meditativ als auch leicht hypnotisch. Die 'Tafel'-Gemälde wurden beim ersten Erscheinen als bloß dekorativ oder kindisch missverstanden, belohnen jedoch anhaltende Aufmerksamkeit: die Konsistenz des Zeichens, die Art, wie sich die Schleifen anhäufen, ohne sich in eine Komposition aufzulösen, der graue Grund, der Licht absorbiert statt reflektiert. Sie gehören zu den formal strengsten Werken, die er geschaffen hat.

Achilles trauert um den Tod des Patroklos 1962

Eine große Leinwand — fast vier Meter breit — bedeckt mit schwarzen Kritzelzeichen, Verwischungen und Textfragmenten auf einem cremegrauem Grund. Die Szene, die der Titel beschwört, ist der emotionale Höhepunkt der Ilias: Achilles, der vom Tod des Patroklos, seines engsten Gefährten, erfährt und vor Trauer aufschreit. Das Gemälde bildet diesen Schrei nicht ab; es vollzieht etwas Analoges dazu — die Zeichen sind gewaltsam, roh, gebrochen, sich kreuzend und überschneidend ohne Auflösung. Rote Farbe ist in einem Bereich verschmiert. Die auftauchenden Wörter und Zahlen sind keine lesbare Erzählung; sie sind Zeichen eines von Gefühl überwältigten Denkens. Das Gemälde befindet sich in der Cy Twombly Gallery der Menil Collection in Houston.

Fünfzig Tage in Iliam: Schatten der ewigen Nacht 1978

Eine der zehn Leinwände, die die Serie 'Fünfzig Tage in Iliam' bilden — ein bedeutendes Spätwerk, das die Ilias zum Thema hat und Episoden über die Folge der Leinwände verteilt. Dieses Tafelbild wird von dunklem Pigment und schweren, wirbelnden Zeichen beherrscht — die Dunkelheit des Schlachtfelds, die Schatten der Unterwelt, die homerische Metapher des Todes als ewige Nacht. Das Format ist groß; die Oberfläche ist mit einer in seinem reifen Werk ungewöhnlichen Intensität bearbeitet. Die Serie als Ganzes ist sein nachhaltigstes Engagement mit dem klassischen Epos, und dieses Bild ist ihr dunkelster Moment. Die gesamte Serie befindet sich im Philadelphia Museum of Art.

Quattro Stagioni 1993

Eine Serie von vier großen Leinwänden, die die vier Jahreszeiten darstellen — dies ist eines seiner farbenreichsten und visuell üppigsten Werke. Die Leinwände verwenden Ölfarbe in schweren, gesturalen Zeichen aus Gelb, Grün, Rot und Grau, mit Wörtern und Zahlen, die durch die Farbe gekritzelt sind. Die vierteilige Struktur erlaubt jeder Jahreszeit ihr eigenes emotionales Register: Die Frühlingsleinwand ist hell und grün, der Sommer warm und golden, der Herbst warm und schwer, der Winter grau und still. Die Serie wurde von der Tate Modern in London erworben und gehört zu den bekanntesten Werken seiner späten Laufbahn.