Mary Cassatt

Estilo y técnica

Mary Cassatt construyó su arte en torno a una premisa única y radical: que la intimidad cotidiana entre una madre y su hijo era motivo suficiente para la gran pintura, siempre que se representara sin sentimentalismo. Pintó el baño, la lactancia, el vestir y la lectura tal como los observaba, sin posar y sin idealizar, a menudo captados a mitad de un gesto, rechazando el barniz almibarado que la pintura de Salón solía aplicar a las escenas domésticas. El pequeño pie de un niño acunado en agua jabonosa, la mejilla de una madre apoyada distraídamente contra la de su bebé: son imágenes tiernas, pero el pincel de Cassatt las mantiene lúcidas, casi clínicas en su atención al peso, la postura y la mecánica del contacto.

Esa claridad debía mucho a Japón. Tras ver una gran exposición de grabados ukiyo-e en París en 1890, Cassatt quedó electrizada, y aquel encuentro remodeló sus composiciones para siempre. Adoptó el plano pictórico aplanado, el contorno negro y seguro, y los encuadres asimétricos y los puntos de vista en picado que favorecían artistas como Utamaro. Sus figuras aparecen a menudo cortadas por el borde del marco, inclinadas en perspectivas abruptas que parecen bascular el suelo, o recortadas contra campos de color estampados en lugar de modeladas en un espacio ilusionista. Su serie de grabados en color al aguafuerte y aguatinta, hecha en emulación directa de esa técnica japonesa, llevó ese aplanamiento aún más lejos, reduciendo las figuras a elegantes planos de color sin modular unidos por un contorno fluido.

Dentro del lenguaje impresionista que compartía con Degas, Morisot y Pissarro, Cassatt nunca fue una simple discípula. Su pincelada es resuelta más que atmosférica: le importaba menos disolver la luz que describir la forma sólida con rapidez y seguridad, favoreciendo el patrón, la silueta y las formas entrelazadas del vestuario y el mobiliario por encima de los contornos suavizados. El color lo empleaba con audacia poco habitual: verdes ácidos contra rosa empolvado, el negro usado como un valor cromático pleno y no como una ausencia de color, un hábito que compartía con Manet y Degas pero que llevó hacia sus propios fines, tranquilamente gráficos. El resultado resulta a la vez formalmente audaz y de una observación intemporal en su tema: mujeres absortas en el negocio anodino e irrepetible de cuidar a un hijo.

Vida y legado

Mary Stevenson Cassatt nació en 1844 en Allegheny City, Pensilvania, en el seno de una familia adinerada y culta; su padre fue un exitoso corredor de bolsa y especulador de tierras, y la desahogada posición de la familia le dio a Cassatt un temprano contacto con Europa, donde la familia vivió varios años durante su infancia, y más tarde le dio la independencia económica para emprender una carrera poco convencional. Estudió en la Pennsylvania Academy of the Fine Arts de Filadelfia, pero se impacientó con el ritmo lento de la institución y su condescendencia hacia las alumnas, y en 1866 partió hacia París, decidida a estudiar a los maestros antiguos de primera mano y a formarse con tutores privados, ya que la École des Beaux-Arts seguía cerrada a las mujeres.

Cassatt se instaló definitivamente en Francia, presentando obras al Salón oficial bajo su propio nombre a lo largo de la década de 1870 mientras crecía su frustración con sus conservadores jurados. Todo cambió en 1877, cuando Edgar Degas, cuyos pasteles había admirado en el escaparate de un marchante, la invitó a unirse al círculo de artistas independientes que exponían al margen del sistema del Salón. Fue, según diría ella misma más tarde, el punto de inflexión de su vida artística: por fin podía pintar como veía, sin concesiones. Expuso con los impresionistas en cuatro de sus muestras colectivas y siguió siendo la única estadounidense jamás invitada formalmente a sus filas. Su amistad con Degas se convirtió en una de las relaciones definitorias de su carrera, un intercambio de consejos técnicos, crítica afilada y respeto mutuo que moldeó su dibujo, sus experimentos con el pastel y sus incursiones posteriores en el grabado en color, aunque los temperamentos notoriamente difíciles de ambos artistas tensaron la amistad hasta el límite en más de una ocasión.

Cassatt nunca se casó, una decisión que consideraba necesaria más que lamentable: un marido y unos hijos propios, creía, habrían hecho imposible el trabajo exigente y poco glamuroso de una pintora profesional. Volcó esa independencia en su arte y en una segunda carrera, cada vez más influyente, como asesora de ricos coleccionistas estadounidenses, sobre todo de sus amigos Louisine y H. O. Havemeyer, orientando sus adquisiciones hacia Manet, Degas, Courbet y los antiguos maestros españoles. A través de esta discreta labor de promoción hizo tanto como cualquier marchante por introducir el impresionismo en los museos estadounidenses, ya que muchas adquisiciones de los Havemeyer acabaron entrando en el Metropolitan Museum of Art. En sus últimos años, la pérdida de vista le impidió seguir pintando, y canalizó su considerable energía hacia la campaña por el sufragio femenino, aportando su nombre, su dinero y su convicción de que las mujeres merecían plena condición cívica a la causa. Murió en 1926 en el Château de Beaufresne, casi ciega, pero aún considerada, a ambos lados del Atlántico, como una de las pintoras más formidables de su época.

Cinco cuadros famosos

El baño del niño 1893

Cassatt reduce la distancia entre espectador y motivo: miramos casi verticalmente hacia abajo, dentro de una palangana de rayas donde una madre sostiene el pie desnudo de su hijo en el agua, ambas cabezas inclinadas juntas de perfil. El ángulo en picado, el lavabo recortado y el atrevido estampado a rayas del vestido de la madre proceden directamente de los grabados japoneses que Cassatt había estudiado intensamente unos años antes. Y sin embargo la composición nunca parece prestada; el tierno y algo torpe abrazo de manos en torno a un pie que se retuerce se lee como una verdad observada, esa coreografía doméstica sin poses que solo un ojo paciente y sin sentimentalismo podía captar.

La excursión en barca 1893-94

Pintada tras un invierno en el sur de Francia, La excursión en barca es el experimento más audaz de Cassatt en un diseño aplanado de inspiración japonesa: un muro de azul marino sin modular ocupa casi un tercio del lienzo, la ancha espalda del remero, mientras una madre y su hijo, vestidos de amarillo y blanco a la luz del sol, ocupan el extremo opuesto de la barca. La marcada diagonal de la borda y el remo radicalmente recortado deben una deuda evidente a los grabados ukiyo-e. A diferencia de sus interiores más íntimos, esta escena al aire libre resulta casi inquietantemente gráfica y moderna, con la tensión silenciosa entre el remero sin rostro y la madre vigilante deliberadamente sin resolver.

Niña en un sillón azul 1878

Una niña inquieta se despatarra de lado en un sillón de damasco azul, con un brazo echado por encima del respaldo y las piernas abiertas con el abandono inconsciente de una criatura demasiado aburrida para quedarse quieta ante el pintor. Cassatt inclinó el suelo hacia arriba y dejó que los sillones, pintados con una pincelada suelta y vigorosa, invadieran el encuadre en una composición de clara influencia degasiana; según se cuenta, el propio Degas retocó el fondo. El cuadro escandalizó al jurado que lo rechazó de una muestra oficial, precisamente porque prescindía de las convenciones almibaradas de la época para pintar la infancia, presentando en su lugar a una niña concreta, inquieta y creíble, en un momento poco favorecedor.

Madre e hijo (El espejo ovalado) 1899

Una madre alza a su hijo de mejillas redondeadas ante un espejo ovalado, y sus dos rostros se repiten y duplican en el reflejo, de modo que el lienzo se convierte en una meditación sobre el parecido que pasa de padres a hijos. Cassatt dispone a la pareja en un ceñido abrazo piramidal, con el brazo desnudo del niño alcanzando el cristal, mientras pinceladas anchas y seguras de rosa, blanco y dorado describen la carne y los ropajes sin ninguna de las brumas suavizadoras propias del sentimentalismo académico. El motivo del espejo, un recurso favorito de la madurez de Cassatt, profundiza un momento doméstico por lo demás sencillo en un tranquilo ensayo sobre el parecido y el vínculo de miradas entre generaciones.

Mujer con collar de perlas en un palco 1879

Exhibido en la cuarta exposición impresionista, este retrato sitúa a una joven elegante en un palco de teatro, con la mano enguantada alzada hacia la barbilla, un collar de perlas brillando contra sus hombros desnudos y un abanico listo en su regazo. Cassatt pinta la tapicería roja y los dorados del palco con pinceladas rápidas y texturadas que se disuelven en abstracción de cerca, mientras la mirada fría y evaluadora de la modelo devuelve al espectador la dinámica habitual de ir al teatro, donde las mujeres son tan miradas como observadoras. Figura entre los retratos de sociedad más seguros de Cassatt, a la altura de las escenas de palco de Renoir pero con su propio toque, más seco y alerta.